“Nuestra harina El Vaporcito siempre apoya la cultura, el deporte y el arte”.

El mundo de la pesca encierra un inusitado interés por sus características, por la lucha con el mar, los tiempos de soledad y sus particulares costumbres.

La entrega de hoy la dedico a esta temática: Rose of Nevada (2025), de M. Jenkin; La pesca del salmón en Yemen (2011), de L. Hallström; y, El viejo y el mar (1958), de L. Hayward.

ROSE OF NEVADA (2025). Los marineros en peligro en el mar son el tema central de esta historia impactante de fantasmas y lirismo, del cineasta Mark Jenkin. Ambientada en un pueblo pesquero, explora la presencia íntima de la muerte y la inquietante claustrofobia de la familia y la comunidad.

Jenkin se atribuye en solitario el guion, la dirección, el montaje, la fotografía, la música y el diseño de sonido: un completo.

Su técnica y su estética casi primitivista favorecen lo turbador y lo misterioso. Películas con la textura del cine arcaico, filmada en 16 mm, y revelada a mano de tal manera que crea arañazos en la copia, con diálogos y sonido ambiente superpuestos.

El barco que volvió

Primerísimos planos de óxido, roca y cuerda desgastada, con una textura tan palpable que uno siente que podría tocar la pantalla y llevarse las yemas de los dedos húmedas y manchadas de algas.

La maleza brota entre las grietas del pavimento, tejas de pizarra barnizadas por la lluvia, puertas de entrada desconchadas, deformadas y descoloridas por el sol hasta parecer madera a la deriva. La cámara de Jenkins atesora todos los detalles decadentes de su entorno, un pueblo pesquero anónimo en declive, visitado por pocos y abandonado por muchos.

Pero algo ha regresado: el barco que da nombre a la historia. Una embarcación maltrecha y tosca, evocadora del desierto de Nevada, que fue declarada perdida en el mar hace 30 años y, supuestamente, su tripulación de pescadores locales había sido engullida por la mar.

Cuando milagrosamente aparece una mañana en el puerto del pueblo el Rose of Nevada, sin tripulación, pero intacta, presagia fortuna para una comunidad que atraviesa tiempos difíciles.

Unos hombres se ofrecen voluntarios para volver a navegar la embarcación. Las aguas están llenas de peces y pronto la bodega del barco también lo estará. Les espera una mayor riqueza y comodidades para el hogar.

El eje de tiempo

La película es un viaje en el tiempo, que regresa sobre sí mismo de maneras vertiginosas y desconcertantes, y que se basa en sutiles diferencias de ambiente y época.

No tardamos en darnos cuenta de que la presencia del barco hace que exteriormente la aldea, aunque no cambia mucho a lo largo de las décadas, tiene diferencias en el estilo de vida y el espíritu comunitario se perciben con intensidad. Se ve más animada y rica.

Expone la historia una sutil tensión entre los dos personajes principales, ya que uno anhela el presente y el otro se adapta inmediatamente, imperturbable, al pasado.

Onirismo y realidad

Todo lo que vamos viendo en pantalla hace a un drama que se siente como un sueño que ya se ha soñado antes, como un déjà vu o pertinaz recuerdo, y cuando hay secuencias oníricas propiamente dichas, la brecha entre la ilusión y la realidad es mínima.

En esta cinta, nos encontramos con una visión y una actitud contra la gentrificación, sobre los urbanitas de clase media que cierran los negocios y locales de larga tradición.

También parece extenderse el tema, alegóricamente, contra una industria cinematográfica empeñada en adoptar métodos modernos, sofisticados y comerciales para triunfar.

Terror/fantasía

No hace mucho, nadie habría apostado por una película de terror/fantástica, con actores de renombre, pero seis años y dos largometrajes después, aquí está Jenkins con este filme, una película que aparentemente encaja con esa descripción, con un resultado iridiscente y extrañamente hermoso. Sin concesiones por parte de Jenkins.

Un pescador local de un pueblo pesquero deprimido, interpretado por Edward Rowe, se asombra una mañana al ver un arrastrero flotando tranquilamente en el puerto: el Rose of Nevada. Este barco se perdió 30 años antes en una fuerte tormenta. El barco ha vuelto de entre los muertos.

Edward se acerca a la viuda de uno de los pescadores ahogados (Rosalind Eleazar), mujer con dos hijas adultas, y le dice, sencillamente, que el barco ha regresado, respondiendo ella con el mismo temor aturdiente que él tiene.

Lo que siente al poco es que el barco debe ponerse a trabajar; contrata a un capitán curtido (Francis Magee), junto con dos jóvenes tripulantes del pueblo: el reflexivo Nick (George MacKay) y el vagabundo bebedor Liam (Callum Turner). Este último coquetea con la hija del pescador desaparecido en un pub; ella le regala la vieja gorra roja de su difunto padre, la que él usaba a bordo.

Nick se horroriza al ver las palabras «Bájense del barco ahora» grabadas en la madera del barco fantasma, bajo cubierta. Al regresar, con la embarcación repleta de pescado, descubren algo aún más extraño: el pueblo parece más animado, el pub luce mejor y se permite fumar en el interior.

Pasaje en el tiempo

La terrible verdad es que han viajado en el tiempo hasta 1993, tres años antes del nacimiento de Nick, y todos en el pueblo creen que Nick y Liam son los dos hombres desaparecidos. No saben si el destino les ha deparado un futuro más feliz que el que realmente tuvieron. O si era su realidad la que, en realidad, era irreal: una premonición de desastre y desolación de hace 30 años.

En cualquier caso, a Nick le perturba profundamente ver que Liam simplemente acepta la situación y con indiferencia, lo que parece ser una nueva y agradable realidad: vivir con la viuda —es decir, la madre de la mujer con la que había estado flirteando— como esposo y padre. Para él, es un resultado mucho mejor que cualquiera que hubiera imaginado.

Enigma, ironía y concisión

Tiene la cinta un equilibrio emocionante: explora con agilidad lo insólito mientras examina con honestidad un rincón olvidado de la clase trabajadora inglesa. También hace uso de un estilo irónico y conciso, con los actores George MacKay y Callum Turner integrándose a ese mundo ágil y granulado.

Acompañando actores secundarios que regresan, entre ellos Edward Rowe, protagonista de "Bait", y Mary Woodvine, socia de Jenkins (y colaboradora en la historia).

En manos de un cineasta convencional, esta sería una película de terror típica, como un cuento, que cumple con todos los clichés del género. Jenkin, en cambio, la convierte en algo más esquivo y complejo, con una extrañeza y un misterio presentes desde el principio.

Concluyendo

El paisaje sonoro, metálico y vibrante, construido íntegramente en posproducción, es una maravilla artesanal que sumerge al espectador tanto en el peligroso estruendo metálico de un barco que podría hundirse, como en el reconfortante artificio del cine analógico.

Pero, sea cual fuere el año al que se dirige «Rose of Nevada», permanecemos a bordo, satisfechos. En el muelle, un herrumbroso noray de amarre inconmovible observa cuanto ocurre.

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LA PESCA DEL SALMÓN EN YEMEN (2011). La película tiene un título casi loco y a la vez llamativo, pues es lo último que uno podría imaginar en ese país árido, sumido en la pobreza y la hambruna que es Yemen: pescar salmones.

El director Lasse Hallström hace una peliculita con su toque tierno e incluso lírico, amén de romántico, una obra con el tono, las situaciones, los diálogos y la atmósfera de las buenas comedias británicas.

El guion de Simon Beaufoy adapta la novela homónima del británico Paul Torday, y el libreto es bueno, bien construido, una trama simpática, en ocasiones sarcástica y en manos de Hallström concluye cinta con buenas trazas.

Interesante y bonita la música de Dario Marianelli, The Young Romans: “Where You Go”. Excelente la fotografía de Terry Stacey que aprhende los paisajes y avatares, con distinción y elegancia.

En el reparto tenemos a Ewan McGregor, que sabe rentabilizar su variedad de registros interpretativos, atractivo, estiradito, y entregado. Quizá por ello sintoniza bien con una bonita Emily Blunt, ésta en un trabajo más sobrio. Kristin Scott Thomas es la salsa exquisita del menú, la mejor del reparto.

Mantiene un ritmo progresivo, que se digiere bien y sin esfuerzo, con aire británico, interpretaciones dignas y sencillas, sin ornatos, los justos convencionalismos, no es comedia tópica y se disfruta.

De fondo, la pesca del salmon en las desiertas tierras yemeníes, una locura que hay que esperar para ver cómo acaba. Sólo hay que sentarse con tranquilidad y buena onda.

EL VIEJO Y EL MAR (1958). Es digno de felicitar a Leland Hayward por hacer algo poco convencional al adaptar al cine la novela homónima de Ernest Hemingway, y a Spencer Tracy por su valiente interpretación en el único papel importante del filme.

Brillante la música de Dimitri Tiomkin (Oscar), que prácticamente convierte a Tracy en un solista con una sinfonía. En realidad, es meritorio llevar al cine la epopeya de Hemingway sobre la solitaria batalla de un anciano con un pez.

Hayward y sus asociados, Peter Viertel, guionista, y John Sturges, director, acordaron hacer una recreación literal del cuento de Hemingway. Muestran la debilidad del pescador cubano, pues tiene la dependencia de un niño fiel antes de irse a pescar solo en un bote abierto, y allí lo dejan pasar por el largo trabajo de atrapar a un pez gigante.

Salvo algunos breves momentos de ensoñación y un repentino recuerdo de su juventud, la cámara se centra en la dura prueba del anciano en la barca. Y Tracy lo representa con admirable rudeza y tenacidad. Su aspecto, con el pelo blanco y la barba incipiente, es convincente.

Los movimientos dolorosos de un anciano cansado reflejan una conmovedora demostración de fortaleza primigenia, y se siente compasión por este hombre con sus manos laceradas por el sedal.

Una narración que se interrumpe ocasionalmente en los murmullos del anciano: "Ahora he matado al pez que era mi hermano", una frase con profundidad poética en el ritmo del relato.

Hay hermosas tomas largas de pueblos cubano, la colorida costa y una secuencia que desarrolla una breve magia: los pescadores yendo a sus barcas en un amanecer rosado.

Tracy es asistido brevemente por un joven cubano de aspecto sensible, Felipe Pazos, que ayuda a sugerir la irónica yuxtaposición de juventud y vejez. Pero su principal apoyo emocional proviene de la partitura de Tiomkin, que está llena de truenos dramáticos y conmovedora melodía, único elemento de elocuencia en este extraordinario espectáculo unipersonal.

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“Nuestra harina El Vaporcito siempre apoya la cultura, el deporte y el arte”.

Pocas artes han fascinado tanto al cine como el circo. Bajo la carpa conviven el riesgo y la disciplina, el asombro del público y la soledad del artista, el brillo de la pista y una vida nómada que rara vez resulta luminosa entre bastidores.

Hay películas con el circo como protagonista como: El circo (1928), de Chaplin; El mayor espectáculo del mundo (1952), de De Mille; Trapecio (1956), de C. Reed; El fabuloso mundo del circo (1956), de H. Hathaway; El último verano (2009), de J. Rivette; o, Tal vez (2026).

Trapecistas, jinetes, payasos y empresarios circenses sirven para contar historias de amor, ambición, sacrificio, decadencia y libertad.Pero hay también asuntos turbios, engaños, transgresiones morales e incluso conductas perversas o inapropiadas.

De esto y más hablo hoy en esta entrega con películas como: El Callejón de las almas perdidas (2021), de G. del Toro;El gran showman (2017), de M. Gracey; y La parada de los monstruos (Freak) (1932), de T. Browning.

EL CALLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS (2021). Años 40, II Guerra Mundial, un hombre huye de su casa que acaba de incendiar matando a su anciano padre. Luego, un circo, personajes curiosos, una muchacha bonita; y otros números con forzudos y enanos, o echadoras de cartas. Y el “engendro”, humano desaliñado como un animal, que come carne cruda.

Cuenta el filme la presencia y el aprendizaje en el circo del hombre que ha llegado sin nada, huyendo, pero que es ambicioso y pone atención a los trucos que le enseña la vidente echadora de las cartas del Tarot, y los trucos psicológicos del hombre mayor que vive con ella.

El buscavidas (Cooper) aterriza en la feria y de la mano de la pitonisa (Collette) y su gancho (David Strathairn), y se introduce en el arte de hacer que los ilusos confundan la realidad y el deseo.

Luego vendrá el amor, cuando el advenedizo enamora a una chica bonita y se marcha con ella del circo a la ciudad en pos de mejores locales y espectáculos más lucrativos.

En la City se encuentra con las enseñanzas de una atractiva psicoanalista (Blanchett) de gran apariencia y sofisticados métodos. El joven y apuesto “pitoniso” seduce a la psiquiatra y se convierte en un mentalista pedestre, con caché: estrella del timo sobrenatural.

Desde esa posición de misterio y pseudo-poder espiritual, nuestro hombre embauca a personas importantes de la ciudad, como un juez o un hombre rico (Richard Jenkins), todos anhelando comunicarse con personas queridas ya fallecidas. Son personas que los atormenta, y que no son sino ellos mismos.

Del Toro, construye una elaborada, barroca y clásica obra, depurada puesta en escena y aspectos técnicos de primer nivel: brillante ambientación; generoso diseño de interiores; exótico universo de trucos y magia; o la composición de personajes.

El reparto es de primer orden: Bradley Cooper sembrado como mentalista seductor y timador; Rooney Mara, muy bien como la bonita y buena mucha; Cate Blanchett, arrolladora y potente terapeuta; Toni Colette, la echadora de cartas y mujer acogedora; Willen Dafoe, como espeluznante capataz de feria; o Richard Jenkins, extraordinario millonario siniestro y resentido de su pasada vida.

En el filme tres actos diferentes y extensos: el ascenso del estafador; el auge al Olimpo de la videncia y la farsa espiritista; y la caída de todo un arribista profesional.

Película, en fin, que en su conjunto es sobradamente meritoria. Uno sale del cine con la sensación de haber asistido a una película de categoría.

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EL GRAN SHOWMAN (2017). Hay biopics, como este, que resultan ser pura fantasía por su capacidad de ofrecer una realidad deformada del personaje. En este caso se trata de Phineas Taylor Barnum (1810-1891), un empresario circense estadounidense que fundó el "Ringling Bros. and Barnum & Bailey Circus", conocido como "el mayor espectáculo en la tierra".

Su éxito se basaba en rentabilizar económicamente la exhibición de fenómenos humanos con llamativos rasgos físicos para el espectador. Pues bien, el tal sujeto, lo que fue en realidad era un pájaro de cuidado acusado de falsificador y otros.

La dirección de Michael Gracey es razonablemente buena, con un guion sencillo y delirante, que se adapta como anillo al dedo a las exultantes composiciones musicales de Benj Pasek y Justin PaulHan.

Lo que resulta es un concentrado aplastante de show-stoppers y una épica parecida a un concurso de música concanciones con ritmo en crescendo, que aclaman al empresario Barnum, que es presentado como un romántico soñador.

Mirando la pantalla te ves envuelto por la coreografía y escenas visualmente brillantes. Con el mérito a la fotografía de Seamus McGarvey.

El reparto es sobre todo un enérgico Hugh Jackman al son del cual bailan el resto de personajes: la preciosa y feliz esposa (Michelle Williams); un atractivo Zac Efron como exitoso joven de teatro en el circo; la actriz y cantante Zendaya en el papel de preciosa trapecista; o, Rebecca Ferguson como la soprano cautivadora conla mejor canción de la película, “Never Enougth” (cantada por Loren Allred).

Michael Gracey, experto en efectos visuales construye un filme espectacular, cuyo ritmo no da tregua; la cinta tiene un frenesí de corte romántico sobre un hombre genial y único que centra su negocio en un grupo de pobres seres tullidos, deformes y muy singulares (el hombre más gordo del mundo, el más alto, la mujer barbuda, el enano, etc.).

Mundo éste que, salvando las diferencias, recuerda una de las películas más impactantes y dramáticas que comento a continuación: La parada de los monstruos (1932).

Concluyendo, biografía prêt-à-porter, algo parecido a un cómic de historias alocadas a las quele habría faltado un puntito de llanto. Sin embargo en este caso no es así, al revés, la melancolía, cuando la hay, apenas dura unos segundos, pues rápidamente es tapada por el ritmo de las canciones.

Incluso acaba la película con una incontestable cita del propio Barnum que se cumple a rajatabla en el metraje: “El mayor arte del mundo es el que hace felices a las personas”. La cuestión es que no tardas en darte cuenta de estamos ante un producto desabrido.

LA PARADA DE LOS MONSTRUOS (Freaks) (1932). Cuenta el film la vida en un circo de un grupo de seres deformes, tullidos y personas con amputaciones que sirven de espectáculo grotesco.

El director Tod Browning era ya en 1931 una celebridad con su película Drácula, pero decide volver a la Metro-Golwing-Mayyer para realizar esta película a instancias de su amigo el enano alemán Harry Earles, quien le sugirió la idea de adaptar el cuento de Tod Robbins, Espuelas (Spurs, 1932), relato que gira alrededor de la venganza de un artista de circo enano y despechado.

Browning aceptó y sería justamente Earles quien habría de protagonizar el papel principal, y también su hermana Daisy Earles. Browning consideró que debía ampliar el número de personajes con deformidades físicas, que en esta película eran personajes deformes reales, que irían desfilando de escena en escena siendo ellos el auténtico centro de la historia, mostrando su manera cotidiana de vivir.

Al ser reales las deformidades y enfermedades la película está rodada en tono documental, que se ve acentuado sobre todo en las secuencias que muestran escenas diarias de los raros o “freaks”.

Es interesante saber que el director británico Browning huyó siendo adolescente de su casa para unirse a una feria donde se exhibían estos fenómenos humanos (freaks) o “monstruos” (entendido como cosa extraordinaria), aquejados de diferentes malformaciones o rasgos físicos impactantes.

Fue esa experiencia con este tipo de seres, lo que le llevó a crear uno de los melodramas más turbadores de la filmografía universal, una película de esas que no se olvidan por su crudeza y a la vez, por su análisis del espíritu humano.

La película, que se inicia a modo de cuento cruel, va derivando hasta hundir sus raíces en el espanto. Lo genial de Browning es que, llevado por el clasicismo del terror, pudo subvertir este conservador paradigma cinematográfico, para brindarnos una obra moderna, a pesar de que tiene casi un siglo.

El terror de esta cinta nace de un hecho excepcional con personajes extraños. Pero en esta película contiene un elemento insólito, dado que en la historia no son los “freaks” (raros) lo “anormal”, sino al contrario; es la “normalidad”, la hermosura de Cleopatra y la fuerza de Hércules, lo anormal, lo que conforma un furibundo alegato en favor de las diferenciasen la historia del cine.

December 1931: Real-life siblings Daisy and Harry Earles (1902 - 1985) play the diminutive couple Hans and Frieda in 'Freaks', directed by Tod Browning, while Olga Baclanova (1899 - 1974) and Henry Victor (1892 - 1945) play the scheming Cleopatra and strongman Hercules. (Photo via John Kobal Foundation/Getty Images)

El excelente guion escrito por Willis Goldbeck, Leon Gordon, Al Boasberg, quenos cuenta una historia en dos capítulos. El primero de ellos muestra cómo los pobres tullidos y deformes son humillados por los “guapos”. Y el segundo, muestra la violencia de los monstruos hacia la belleza.

Excelente y apropiada la música del gran Richard Wagner que da un tono enérgico y potente a la historia. Muy buena la fotografía en Blanco y Negro de Merrit B. Gerstad.

El reparto es excelente en todos los participantes, unos por profesionalidad y otros por su naturalidad. Así: Harry Earles y Daisy Earles (los enanos, ambos hermanos); Wallace Ford (como el payaso Phroso, muy sarcástico); Leila Hyams (bonita amaestradora de animales); Olga Baclanova (hermosa trapecista proveniente del cine mudo); Henry Victor (gran trabajo como Hércules).

También Francis O’Connor (mujer sin brazos) y Martha Morris (también tullida); Peter Robinson (esqueleto viviente); Jenny Lee y Elvira Snow (microcefálicos o “cabezas de alfiler”); igual Schlitze (Simon Metz), el más afable de los tres “microcefálicos” y que cautivó al público en el rodaje y en la pantalla con su sentido del humor, etc.

La película resultó desastrosa comercialmente y fue el comienzo del declive de Tod Browning (injusticias vieres), por su audacia, pues su película horrorizó literalmente, tanto al público como a los directivos de la Metro-Goldwyn-Mayer.Todos salvo el productor Irving Thalberg que la defendió con pasión hasta el final.

Hubo airadas reacciones de los espectadores, incluso desmayos y gritos. Aquella sociedad de 1932 no estaba preparada para valorar esta controvertida película. La Metro redujo el metraje en casi media hora y añadieron un principio y un final felices.

Los freaks con el director Tod Brwning.

No sería hasta treinta años más tarde, años sesenta, cuando se redescubre la obra de Browning. Gracias a ello se proyectó su película en el Festival de Venecia. Ello hizo descubrir esta genial obra a una generación de espectadores y crítica, ya en un contexto más transgresor y contracultural, que estaba preparado para entenderla y admirarla.

En 1994 fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, siendo elegida para su preservación en el National Film Registry.

Y acabo con una curiosidad, pues hoy es común la utilización de la palabra freaky (“friqui”). Fue una de las consecuencias de esta película la aparición del término inglés “freak”, queriendo significar alguien anormal, extraño o marginal.

Luego, el término acabó adaptándose al español para denominar a personas o comportamientos poco usuales o transgresores; y, transcurridos los años, para designar a personas interesadas y con desmedido gusto por una afición o hobby que se acaba convirtiendo en un estilo de vida.

Revista Encadenados

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“Nuestra harina El Vaporcito siempre apoya la cultura, el deporte y el arte”.

Rodrigo Sorogoyen (Madrid, 1981) es uno de los puntales del cine español. Nieto del director Antonio del Amo, estudio Historia y se formó en la Escuela de Cinematografía de la Comunidad de Madrid, donde también estudiaba Isabel Peña, su coguionista habitual.

Con su compañero de la ECAM, Peris Romano, rodó 8 Citas (2008), una comedia romántica con buenas críticas en el Festival de Málaga.

Se empleo a fondo en la TV, escribiendo guiones para series como Impares, Rabia, Frágiles o La Pecera de Eva. Mientras, preparaba su debut con Stockholm (2013), cinta dramática e intimista, con dos personajes, que se financió con aportaciones de familiares, amigos y una campaña de micro financiación (la comento abajo).

Después desarrollaría un proyecto más ambicioso, Que Dios nos perdone (2016), un durísimo thriller situado en 2011, durante la visita del Papa. Premio al mejor guion en el Festival de San Sebastián y el Goya al mejor actor (Álamo).

Rodrigo Sorogoyen y Victoria Luengo.

La definitiva consagración de Sorogoyen fue con El Reino (2018), su cuarta obra. Inspirada en la trama de corrupción del caso Gurtel, recibió siete premios Goya (la comento).

A renglón seguido, su cortometraje Madre, con la actriz Marta Nieto, nominado a los Oscar y que luego fue largometraje.

En 2020, dirige la alabada miniserie Antidisturbios, que levantó revuelo por su visión del trabajo policial y las cloacas del estado. En 2021, dirige un episodio de las nuevas Historias para no dormir.

En 2022, llegaría As bestas: situado en la Galicia rural y la gran triunfadora de los Goya, 2023.

En 2024 estrenó la miniserie Los años nuevos con guion, entre otros, del dramaturgo Antonio Rojano: gran éxito. Y recientemente, El ser querido, estrenada en el Festival de Cannes, 2026 (la comento).

EL SER QUERIDO (2026). De vuelta en España, su país natal tras quince años de carrera en EE. UU., el director Esteban Martínez (Javier Bardem), ganador de dos premios Óscar y antiguo enfant terrible del cine español, le ofrece a su hija Emilia (Luengo), una actriz que lucha por abrirse camino, un papel protagonista en su nuevo proyecto: una película de época sobre el conflicto del Sáhara Occidental.

Rodrigo Sorogoyen cuenta la historia de Esteban Martínez, reconocido director de cine que regresa a su España natal para rodar una película en el desierto. Para ello contrata a su hija, Emilia (Victoria Luengo), para uno de los papeles principales; pero hace años que está distanciado de ella.

Él afirma que ella es la ideal para el papel, pero todo hace suponer que lo hace para reconciliarse y desculpabilizarse, lo cual descubrimos que es así. Esta película se parezca mucho a El valor sentimental (2025), en la que Stellan Skarsgård y Renate Reinsve interpretaron papeles similares.

En estas entregas, relacionado con esta cinta están: Cine dentro del cine; El cine visto por los directores; o, Cinefilia: amor al cine.

Pero ocurre, en fin, que el pasado pesa demasiado en la relación padre-hija, pues Esteban abandonó a su familia justo antes del nacimiento de Emilia y solo la vio ocasionalmente durante su infancia; episodios de los que ambos protagonistas tienen recuerdos muy distintos.

Incitados ??por la culpa, el ego, las heridas profundas, asfixiantes emociones contradictorias y dificultades de comunicación, el rencor y la tensión subyacente se intensificará y alcanzará su punto álgido durante el rodaje en la árida isla de Fuerteventura, elegido paisaje para el filme.

Paso a paso, la trama, meritoriamente elaborada a fuego lento (impregnada de subtexto, ecos y revelaciones graduales) y dirigida muy bien por Sorogoyen e Isabel Peña, la cinta disecciona las nebulosas facetas de la verdad y la memoria, centradas en el núcleo traumático de los dos personajes muy bien interpretados.

Ambos luchan por mirarse a los ojos, pero constantemente esquivan la mirada del otro e intentan torpemente desentrañar su pasado.

Torbellino de emociones descarnadas y reprimidas, al borde del sonambulismo, superpuesto al tema de la autoridad y las dinámicas de dominación y violencia jerárquica en los platós de cine, con carácter de perro de Esteban. Pero los tiempos han cambiado para los otrora todopoderosos directores.

La película es una obra sobre el cine y el propio acto de hacer cine. Se desarrolla con gran habilidad y sutileza hacia su clímax, sin perder jamás su hilo conductor: la sencillez de las emociones exacerbadas y reprimidas.

Un equilibrio sutil que convierte a esta película en una obra conmovedora, profundamente humana y fascinante, ambientada en un estilo visual audaz y sofisticado: con destellos en blanco y negro, juegos de formatos, primeros planos, etc.

Se une una dirección magistral, que alterna perspectivas para encontrar el mejor enfoque en la internalización y externalización de peligrosos torbellinos afectivos, mientras continúa el rodaje a la voz de: “¡se rueda!”

Ver: https://variety.com/2026/film/reviews/the-beloved-review-javier-bardem-1236750755/

EL REINO (2018). Radiografía arriesgada y límite de los políticos y los partidos políticos de la España contemporánea. La cuestión es de bulto, una película de casos que todos conocemos y de los que poco sabemos, como el caso de los ERE en la Junta de Andalucía, la Gúrtel del PP en Valencia, y tantos otros episodios de corrupción, para nuestra desgracia.

Varios de los acusados de la Gúrtel accedieron a colaborar con la producción, ofreciendo sus testimonios a Sorogoyen y a Peña.

Episodios de las últimas décadas sobre los que se comenta y se escribe mucho. Así es este meritorio filme de denuncia de toda esa ciénaga infame en la que las altas instancias del poder, levitando sobre el resto de los ciudadanos, robando dinero a espuertas, que gozan de lujosos y horteras yates, lucen relojes y joyas infumables o beben y comen en los mejores restaurantes sin pudor ni educación, pues pagamos los ciudadanos.

El protagonista es un personaje llamado Manuel (Antonio de la Torre) que tiene todas las bazas para llegar a lo más alto de la política nacional en su partido. Pero su vida se viene abajo por unas filtraciones que directamente le implican en un complejo caso de corrupción.

Todo el partido le inculpa. Manuel es sacado fuera, vilipendiado por la opinión pública y abandonado por sus propios correligionarios.

Pero el “digno Manuel” no se amilana y lucha contra la “nomenclatura” política, que funciona junto a un sistema de sociedades, medios de comunicación, empresarios y otras instituciones del estado que le hacen el caldo gordo a tanta perversidad y dolo. Los reyes caen, pero los reinos siguen adelante.

Sorogoyen, con un excelente guion junto a Peña, narra toda esta podredumbre en una obra trepidante, intensa, de gran poderío visual, con una cámara prodigiosa y necesariamente nerviosa y audaz, con gran fotografía de Álex de Pablo y el ritmo de una música electrónica intensa y enardecida de Olivier Anson.

Sorogoyen construye un relato con preciso pulso dramático y de thriller en el cual el personaje va de un lado a otro, sin orden, sin la lógica de un guion convencional. Lo que pretende es que el personaje y junto a él el espectador, acaben perdiéndose en un laberinto donde la única certeza es el vacío, la angustia, ir al centro del peor sueño.

O sea, situarnos en la línea invisible que separa realidad del mero delirio; finalmente todo deviene inmoralidad y podredumbre, tanto que incluso pudiera parecer algo grotesco, si no fuera porque es fiel reflejo de un escenario que todos conocemos.

En cuanto al reparto, el pilar sobre el que pivota el filme es el malagueño Antonio de la Torre que está superlativo, capaz de hacer que el espectador se ponga de su lado a pesar de ser un indigno, un manipulador, un hombre infecto y peligroso.

Hay otros actores notables como Ana Wagener y Luis Zahera, dos secundarios de enorme calidad; sin olvidar a un excepcional Josep María Pou que borda el rol de “capo” máximo de “la cosa”: da hasta miedo.

Radiografía de la España de los últimos tiempos donde la clase política va de mariscadas y puticlubes con tarjeta VISA oro, sencillamente porque se lo merecen, pues así lo creían/creen. Negocios turbio y trinconeo a manos llenas. Simulacro de documental que es más verosímil que si hubiera sido un documental de verdad.

A pesar de la fuerte carga de denuncia, la cinta servirá de poco, pues las cosas siguen igual o peor: latrocinio y abuso de poder en la derecha política, en la izquierda o en cualquiera revolución que podamos imaginar.

Al final el resultado será que los que más tienen (más cara, más listura o más poca vergüenza) se harán con las riendas para seguir exprimiendo a las mesnadas de a pie, saltándose las leyes, la ética y cualquier principio, en beneficio de familiares, amiguetes y de ellos mismos. Todo lo que presenciamos casi en directo en los telediarios y en sedes judiciales.

Una visión incisiva de la corrupción en España, construido con un compás de vértigo y turbulencia al límite, paralelo con la agitación de los protagonistas de la historia, un relato creíble y penoso rodado con trazas de buen cine.

STOKHOLM (2013). En una fiesta un chico le dice a una chica que se ha enamorado de ella a primera vista. Melancólica y reservada, ella se niega a creerle. Juguetonamente, él la sigue a casa y, mientras caminan por la noche madrileña, comparten sus deseos, secretos y pequeñas/grandes mentiras.

El primer contacto visual, la atracción, el reto, la apuesta, la seducción, la conquista.

En Stockholm no hay ganadores porque en el ritual del cortejo el cambio de testigo es constante en un duelo bipolar donde cada jugador es lobo, pero también cordero.

Una noche más. Chico conoce chica. Comienza el juego. Lo que parecía una conquista más en la abultada lista de un joven seductor se convierte en un juego de poder donde sorprendentemente nada resulta ser como en un principio parecía.

Hasta puedo contar.

Gran guion de Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña, organizado en dos bloques definidos. Una primera parte ambientada en la noche de Madrid. Y el amanecer del día después, la luz de la mañana que toma el relevo a la noche.

Javier Pereira y Aura Garrido dan lo mejor de ellos. Sobre ambos recae todo el peso de la trama, y el resultado no puede ser más satisfactorio. Un Pereira capaz de mantener el tipo frente a un despliegue interpretativo de la Garrido que la confirma como actriz importante.

La película fue sorpresivamente un éxito que se llevó tres Biznagas de Plata en el Festival de Cine de Málaga y fue nominada a cuatro Goyas, ganando el de mejor actor revelación para  Pereira.

Película que arriesga desde el principio, con escasos recursos de 60.000 €, llegó a nuestras pantallas con la ayuda de la financiación colectiva.

Se filmó en poco menos de dos semanas, con una altísima planificación previa y un planteamiento de rodaje perfecto, que resolvió limitaciones técnicas y económicas.

El resultado final es virtuoso, una cámara que no pierde a la pareja en ningún momento.

Película que es radiografía de situaciones en las que todos de alguna manera nos hemos visto envueltos alguna vez, o tenemos noticia de ellas.

Historia largamente sabida en la cual un “listo” de la vida seduce a chica incauta y luego le quiere dar cuartelillo, lo cual la mujer no suele encajar salvo mal o muy mal.

Al final: el cazador cazado.

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“Nuestra harina El Vaporcito siempre apoya la cultura, el deporte y el arte”.

Estas dos películas que ahora abordo tienen elementos en común. Por empezar, y dada la reciente pérdida de nuestro actor Manolo Solo, la relación más clara entre ambas es la presencia de Solo.

La relación temática entre las dos es también profunda: ambas exploran la violencia como herida social, la culpa, la impunidad y la imposibilidad de cerrar el pasado. Desde estilos distintos, hablan de un país marcado por traumas que vuelven una y otra vez.

La culpa como motor narrativo

Ambas historias avanzan porque sus protagonistas cargan con culpas que no pueden resolver: policías que participaron en prácticas represivas; un hombre que no supera un crimen pasado. La culpa no se verbaliza, se oculta, se paga.

En las dos está presente la violencia estructural. Un país que intenta modernizarse, pero arrastra viejas sombras. Un entorno social donde la justicia oficial es insuficiente y la justicia personal se vuelve tentadora. Películas que muestran la violencia como síntoma de algo más profundo.

De otra parte, también hay “masculinidad herida”, hombres atrapados en modelos de masculinidad que les impiden pedir ayuda, reconocer su fragilidad. Los conflictos se resuelven con furia, no saben gestionarlos de otro modo.

Finalmente, es común la idea de España como espacio moral. Aunque una transcurre en las marismas del Guadalquivir y la otra en la periferia urbana, ambas construyen un paisaje moral donde la tensión es constante, la verdad siempre incompleta y donde el pasado pesa más que el presente: España como país que no ha terminado de mirar de frente sus heridas.

TARDE PARA LA IRA (2016). Película que trata sobre un robo cometido en Agosto de 2007 en Madrid en una joyería. Los ladrones, tras saltar la alarma, escaparon con el botín dejando un reguero de sangre, pero el conductor que los esperaba fuera, Curro (Luis Callejo) fue atrapado y metido en la cárcel donde pasó ocho años de su vida.

En tanto, mantiene una relación con su pareja Ana (Ruth Díaz), con la que tiene un hijo fruto de sus relaciones en prisión con ella.

José (Antonio de la Torre), cuya novia muere en el atraco, es un hombre huraño y callado que frecuenta el Bar de la novia de Curro, al punto que la seduce y mantiene relaciones con ella. Cuando Curro sale de la cárcel deseoso de iniciar una vida nueva con su novia y su hijo, se topará como con una situación inesperada.

A la vez a un desconocido José, que en el atraco perpetrado por Curro y sus colegas lo perdió casi todo: familia, novia, dinero, etc., en él anida en la venganza que le ha acompañado durante años. José monta a Curro en su coche e inician un periplo extraño donde ambos enfrentan los fantasmas del pasado, lo cual acabará en una venganza descomunal que sólo un perturbado puede incubar tan largo tiempo y con tanta saña.

El director Raúl Arévalo hace un trabajo sin alardes ni planos accesorios, centrándose en la ira de José tras todo ese tiempo largamente esperando que los culpables del robo y de la muerte afloren, den la cara.

Es una cinta que trata sobre la gestación lenta y paciente de la ira, y el abismo que la separa de la reconciliación y el perdón. Venganza en estado puro rodada a golpe de furia, ímpetu y malignidad.

El guion de Raúl Arévalo y David Pulido ha sido escrito concienzudamente, con el tesón y la perseverancia de cinco o seis años de serio trabajo y en él se está muy pendiente de hacer que todo encaje, que cada línea de guion explote.

La música de Lucio Godoy del tipo flamenquito y similar. La fotografía de Arnau Valls Colomer es bastante buena y la cámara se pega literalmente a los personajes tensando la mirada del espectador hasta llegar por momentos al desasosiego. Sin olvidar el Súper 16 mm que aporta grano y suciedad a la propuesta. La puesta en escena es acorde con la concisión de los personajes.

Reparto muy bueno, con dos actores en plenitud, Antonio de la Torre y Luis Callejo, y un descubrimiento inesperado en su momento que actúa como si anduviera por su casa que es Ruth Díaz, amén un Manolo Solo sensacional (Goya).

Es una obra que a Arévalo le sale bien, aún con su dureza y esa atmósfera incomprensible y turbia, en la que los personajes huelen a calle y a supervivencia, los diálogos y las situaciones son creíbles. Es una película con olor y sabor.

Pues la violencia existe en cada uno de nosotros, pero la ira es un pecado capital y tal vez el peor de todos, como se advertía en la magistral película Seven (1995) de David Fincher. Científicos y filósofos (Lorenz, Freud, Fromm, etc.) lo afirman: en nuestro interior habita la violencia.

Y Arévalo lo retrata con la fuerza exponencial del furor largamente anidado, describiendo una historia de intento de regeneración y de venganza trabajando muy bien las características de los personajes, perdedores con un destino adverso.

Arévalo abreva en otras fuentes como el costumbrismo cañí con tonos noir y en el western crepuscular, y además tiene intuición a la hora de construir atmósferas viciadas, consiguiendo trazar un itinerario de odio a ritmo de road movie para componer una tragedia en que los personajes se encuentran atrapados en sus propias miserias.

LA ISLA MÍNIMA (2014). Esta película comenzó, según contó su director Alberto Rodríguez, en una exposición de fotos del fotógrafo sevillano Atín Aya, que capturaba los últimos vestigios de una forma de vida en las marismas del Guadalquivir. Fotografías que eran retratos de los lugareños y desprendían desconfianza y dureza, rostros anclados en el pasado; parecían dentro del decorado de un western.

Se trata de una obra que habla de una época que se remonta a 1980, los inicios de la democracia, cuando aún se mantenían el retrato de Franco junto al del Rey Juan Carlos I en los organismos oficiales como la Policía o la Guardia Civil.

Lugares recónditos de la geografía sevillana, marismas duras, lugares misteriosos, donde la riqueza y el poder conviven con el dolor y la miseria de unos personajes fruto del pasado político y social del país.

El filme se desarrolla en un año de gran tensión entre las dos Españas tras el reciente advenimiento de la democracia. Era una tensión que rechinaba, que latía por debajo de las cosas y las personas. Luego vendrían Tejero, Armada y todo eso.

Las marismas eran parte agrícola, sobre todo arrozales, y otra parte cotos de caza, donde abundaban cazadores furtivos que mataban de todo. Un lugar poco evolucionado de donde todos querían salir para encontrar una vida más digna, en el extranjero, en la Costa del Sol, Cataluña, etc.

El rodaje fue muy duro. Para el equipo de dirección, la marisma era un territorio inmenso muy severo, magnético y a la vez inhóspito y cruel. Una película difícil de rodar, muy física para todos los miembros del equipo.

Es un thriller en toda regla, de perfecta factura, con paisajes inquietantes, película densa y potente, cine negro que aporta muchos matices: sociales, políticos, culturales, históricos, y cómo no, policiales; unos hábitos de investigación hoy impensables.

Todo un drama reflejado en la vida de dos policías, una dirección artística de primer orden y una trabada narrativa que nos atrapa. Estamos en una época en la que aún conviven los fantasmas del pasado franquista, con un futuro esperanzado en los españoles que inauguraban la democracia.

La película, cuenta la historia de dos policías, con ideologías antagónicas, uno, Pedro, de la expolicía política de Franco, el otro, Juan, más progresista, joven y con otra forma de enfocar su trabajo.

El joven ha sido expedientado por protestar la actitud de algunos militares golpistas del momento. Ambos son enviados a un remoto pueblo a investigar la desaparición de dos chicas adolescentes. Nadie echa de menos a las chicas, pues todos los jóvenes quieren irse lejos y a veces se escapan para conseguirlo.

Rocío, madre de las niñas, consigue que el juez de la comarca se interese por ellas. Es en este punto donde Madrid envía a los policías Juan y Pedro. Una vez en marcha los detectives, una huelga de jornaleros pone en riesgo la investigación.

Pero los policías descubren que en los últimos años han desaparecido varias jóvenes más y que aparte del arroz, hay otra fuente de riqueza: el tráfico de drogas.

Los policías de esos entonces poseían escasos recursos, y poco presupuesto. Además, nada es lo que parece en una comunidad aislada y opaca. Las pesquisas de los detectives no llevan a ningún lado.

Es la España profunda del sur, unas gentes que no obstante su miedo y su cautela, tendrán que enfrentarse a un asesino cruel, pues son sus hijas y vecinas las víctimas.

El encuadre son lugares que parecen el final del mundo, terrenos laberínticos y de marisma, sitios que uno no querría frecuentar. En ese entorno se desarrolla la trama que en ocasiones llega a producir auténtica angustia.

Película donde desaparecen dos adolescentes que luego aparecen violadas y mutiladas, donde la Guardia Civil, el juez, y la gente del lugar, defienden a los poderosos terratenientes o los temen. Nadie habla. Un relato que se hunde en nuestra incipiente democracia y en las mentiras, medias verdades y pactos, algunos vergonzantes.

Es una de las más inteligentes revisiones del pasado próximo que ha visto el cine. De hecho, toda la película hace pie en la certeza de que el pasado es en realidad el presente y que todos los errores de antes no son más que las heridas de ahora.

Es el tiempo antiguo que se amontona como el polvo en los vallados y que se cuela por las rendijas de la Historia y de las historias por doquier, en la actualidad, hoy mismo, sin dar tregua.

La incertidumbre, el horror sin nombre, la vida de señoritos aburridos que se pasan de la raya, pero también la pasividad de las clases subalternas, los sueños de adolescentes que se mueren de aburrimiento y aspiran a un mundo mejor, esos son los elementos del puzle.

Dirección magistral de Alberto Rodríguez; un guion inteligente y muy trabajado del propio Rodríguez junto a Rafael Cobos. Música inquietante de Julio de la Rosa; la fotografía parda y excelente de Alex Catalán. Y para redondear: gran puesta en escena, vestuario y coches, decorados, etc., de la época; y buen montaje.

En lo que toca al reparto un magnífico Javier Gutiérrez, que encarna con intensidad todo el conflicto latente entre dos mundos, un papel en el que pone rectitud a lo deshonesto, a pesar de su turbio pasado. Raúl Arévalo es el otro pilar, el joven policía movido por los sentimientos inocentes de quien se cree un brazo de la Ley.

También son meritorios Nerea Barros (que sortea los obstáculos de la brutalidad de su marido); el malagueño Antonio de la Torre, que sintoniza con los demás; y Jesús Castro, que vuelve a interpretar a un individuo de dudosa catadura moral. Pero hay mucha tela. Entre los 44 actores y actrices que participan, destaco a Manolo Soto o Jesús Carroza.

Película realista e inteligente que no pierde interés en ningún momento. Una denuncia sutil que no resulta pesada. El director respeta a su espectador, y éste sale gratificado de la sala. Más que suficiente.

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Considero una gran idea y un valor recuperar la memoria de personas que nos precedieron, que fueron estrellas, artistas, y que nos aportaron algo. Entonces, me parece una idea magnífica recordar la figura de Pinito del Oro, la gran trapecista española del siglo pasado nacida en Las Palmas de Gran Canaria (1936).

Debutó Pinito del Oro en el Madison Square Garden, fruto de años de trabajo y penurias en una vida ambulante y tres caídas casi mortales en un circo familiar. “No existe la gravedad para Pinito”, titulaba aquellos días la prensa extranjera.

La primera etapa artística de la trapecista terminó en 1960, con un rosario de éxitos en España y en los EE. UU., con retirada. Pero volvió ocho años más tarde pues le parecía que le faltaba algo y quiso culminar su carrera en Madrid.

Tras una crisis matrimonial, sin el apoyo de nadie, trabajando duro, continuó siendo Pinito del Oro. Se retiró definitivamente en 1970. “Quise hacerlo en el apogeo de mi vida y creo que fue oportuno”, declaró Pinito.

Dejó su nombre en todo lo alto. Más alto que nadie, sin red y en la estrecha relación que la muerte siempre tuvo con su carrera. Su padre murió el día de su última actuación. La deuda estaba saldada.

Vivir sin red, valientemente

Al preguntar a la directora Arima León por qué escogió Tal vez para el nombre de la película que honra la vida de la trapecista, se remite a un verso de la escritora canaria Natalia Sosa Ayala (Las Palmas de Gran Canaria, 1938-2000), coprotagonista del filme, “Tal vez no has existido”, que hizo reflexionar a la cineasta sobre la manera en que nos esforzamos por conservar la memoria colectiva. Ello en la pluma de una de las voces más originales y profundas de la literatura canaria del momento:

“Pinito del Oro no fue solo la mejor trapecista del mundo, también fue una mujer contradictoria, que vivió sin dejarse nada para los restos, o quizás sí, nunca lo sabremos. Ojalá conservar siempre la valentía de vivir la vida sin red, puede que esa sea la mayor de sus enseñanzas”, añadió León.

Lo que sabemos es que luchó contra viento y marea, contra sus hermanos varones (luego muertos en accidente) y el resto de la familia, y contra el marido. Luchó por el amor y en el amor, estas son también enseñanzas de la película.

Obra y méritos

Además de sus proezas en el trapecio, Pinito fue una mujer inquieta que, tras retirarse, escribió varios libros: Cuentos de circo, Técnica del trapecio, La víspera, Nacida para el circo y El italiano, así como una obra inédita sobre mujeres que ha logrado alcanzar éxito pese a las adversidades estructurales.

Pinito recibió numerosos reconocimientos, entre ellos el Premio Nacional del Circo (1990), la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1998) y la Medalla de Oro de Canarias (2017), año en que falleció.

La historia de un amor en el tiempo

Es en 1968, cuando la gran estrella mundial del Circo Price Pinito quiere hacer sus memorias, antes de retirarse. Le encarga la tarea a la poeta canaria Natalia Sosa, con quien había tenido y tendrá un vínculo íntimo y profundo. Con los años, esa relación se mantiene en forma de una relación epistolar, cartas que van y vienen durante décadas.

Son pocos quienes conocen a la Sosa fuera de su isla, pero sus textos son desgarradores y potentes. Su magnetismo es tal que surge entre ella y Pinito una conexión que levanta sospechas, hasta que, por cautela, el encargo se rompe y se rompe la relación.

No era fácil en aquellos entonces vivir una relación homosexual entre dos mujeres, mujeres conocidas, sobre todo Pinito. Época de intransigencia y de muchos tabúes, con escenas tremendas que podemos visionar en el filme.

TAL VEZ (2026). Esta es una película en tonos grisáceos y apagados, como queriendo representar la España de los sesenta y posteriores, con la represión sexual de entonces y los cuidados que había que tomar para no ser delatado como gay, lesbiana o similar. De hecho, vemos en la cinta escenas de agresión claramente homófobas.

Adriana Ugarte brilla en el papel de la trapecista canaria Pinito del Oro, figura que fuera una de las artistas del Ringling Bros. and Barnum & Bailey Circus durante 12 años y, posteriormente, estrella del Circo Price hasta su retirada en 1969, que es el momento en que se centra la película.

A través del género epistolar, la directora Arima León, en su ópera prima, logra aprehender la sensibilidad y los peligros de los amores prohibidos y de las voces silenciadas, a través del romance entre Pinito y la poetisa Natalia de Sosa, interpretada por una magistral Tania Santana.

Arima tiene pulso y maneja el tempo tras la cámara, se le nota una cualidad para crear atmósferas cautivadoras en el filme, y magnífica dirección de intérpretes, sobre todo con Tania Santana, pero también con el resto del reparto de intérpretes canarios que demuestran un gran nivel.

Pues, aparte de los ya mencionados, el reparto lo completan actrices y actores canarios que dan excelente juego coral: Antonia San Juan como Peregrina; Luifer Rodríguez es Juan Sosa; Salva Reina es Manuel; o Maycol Hernández que encarna a Plácido Fleitas; además, Aytor Luna; Andrea Zoghbi; Ruth Sánchez; María Sabaté; o Paula Ojeda.

Un cine pausado y femenino

Desde luego es un cine de tempo lento, pero intenso y cargado de pasión. Hecho con delicadeza y empoderamiento femenino, en línea con cineastas como Carla Simón, Pilar Palomero o Alauda Ruiz de Azúa.

No obstante ser el primer largometraje de Arima León, dibuja con solvencia y madurez un cuadro complejo y de época. Lo hace trasladándonos al tiempo de un circo lleno de magia e ilusión, en colores sepia y vínculos familiares con resonancias de espectáculo romántico.

El circo como microsociedad

El encuadre es el de un circo chocante y extraño, alegre y grisáceo a la vez, un tiempo el de León, como si en la carpa, sus integrantes tuvieran unas existencias diferentes a las de las caravanas, y a las del mundo exterior. Microsociedades, microclimas antropológicamente interesantes.

Vidas dentro llenas de colores brillantes, de purpurina, de saltos mortales gloriosos, de equilibrios muy difíciles, y, aunque casi siempre sonríen, los personajes, cuando las luces se apagan, buscan encerrarse en sus carromatos, como si esperaran una tragedia inminente. También vemos sus cenas nocturnas en el exterior, acompañadas de vino y licores en abundancia.

Pinito se va y el amor se queda

Pinito del Oro, «El ángel del trapecio» piensa retirarse y abandonar a su violento marido. Ella se casó a los 16 para irse de casa y trabajar en América.

La estrella mundial del Price, antes abandonar, quiere escribir sus memorias. Piensa rápidamente en la poeta canaria Natalia Sosa, que tiene una obra desgarradora llena de frustración, rabia y fuego.

Pero entre ellas nace una relación profunda, que finalmente da para más de lo que esperaban; y mucho más acá de dos cuerpos unidos que se desean. Se aman con amor prohibido.

Es el punto en que Pinito rompe la relación, pero entre ambas mujeres se consolida un vínculo muy erotizado y sublimado en cartas pasionales, lirismo erótico que se sucedió durante diez años.

Las cartas son la fuente de esta película, un trozo de una de esas cartas de la poeta a la trapecista dice así: “Donde tú escribes un beso, yo pongo mi boca”.

Pues, aunque es un amor prohibido, Eros siempre triunfa y sobrevuela sobre la violencia y la destrucción de Tánatos.

Más extenso en revista de cine ENCADENADOS

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Los presidentes de los EE. UU. han sufrido históricamente multitud de atentados contra sus vidas, algunos con éxito. El cine no es ajeno a esta realidad y a dado a luz filmes, por lo común de ficción, sobre esta temática.

Vemos hoy títulos como: Objetivo: Washington D.C. (2019), de D. Buckley; Asalto al poder (2013), de R. Emmerich; En el punto de mira (2008), de P. Travis; Air Force One (1997), de W. Petersen; y En la línea de fuego (1993), de W. Petersen.

OBJETIVO: WASHINGTON D.C. (2019). El infalible agente Mike Banning, con cicatrices, moratones y otras lesiones y males producto de su agitada vida de agente del Servicio Secreto, vela por la integridad del Presidente de los EE. UU., la persona más amenazada del planeta Tierra.

Fuego por doquier, música cañera para ir subiendo las pulsaciones de David Buckley, planos cortos, buena fotografía de Jules O'Loughlin, cámara lenta para paladear los golpes, buen ritmo, montaje preciso, disparos imposibles y todo un duelo en la cumbre, al final.

Ric Roman Waugh, debuta en esta saga con éxito, una cinta en que Gerard Butler comanda de nuevo la perfecta salvaguarda del Presidente del Imperio americano. Lo hace muy bien por la envergadura del actor, su rostro llena pantalla, experiencia en el combate y habilidades con las armas. Nadie mejor.

Cine de acción made in USA y Waugh siguiendo un libreto escrito a trío por Creighton Rothenberger, Katrin Benedikt y Robert Mark Kamen ensalzando la leyenda del macho heroico; un guion algo más trabado que en otras entregas.

La cosa es que una vez huido (o escapado) por los pelos de una Casa Blanca plan trampa mortal, y Londres asediado por los muy malos, de nuevo en faena, muchos peligros acechan al indestructible y ahora algo más obeso Banning.

La cosa es así. Cuando la felicidad y los cánticos angelicales rodeaban su vida, en unas memorables y meritorias escenas, una legión de drones kamikaze se lanzan en picado a por el Presidente que tranquilamente está pescando rodeado por cientos de policías y agentes.

El protagonista a su lado en la misma embarcación. La cosa se resuelve más mal que bien para Banning, pues resulta que los “manda” piensan que es él es el autor del atentado, quedando convertido en villano a que quieren fulminar.

El reparto está encabezado por un estupendo Gerard Butler que da el tipo con este personaje. Morgan Freeman pone la cara de nuevo como Presidente USA y está convincente. Piper Peralbo pasa el corte como bonita esposa. Lance Reddick y Jada Pinkett Smith, él y ella, cumplen en sus roles de Director de los Servicios Secretos y de oficial al mando del FBI.

Excelente Danny Huston como capo de la privatización mercenaria para la defensa norteamericana. Muy eficiente un nostálgico, antisistema y de pulsión pirómana, Nick Nolte, como el desaparecido padre del agente Banning.

La franquicia del guardaespaldas Banning cambia y ahora nuestro héroe, como fugitivo (inocente, pero esto sólo lo sabe el público), se las ha de ver con los suyos y, cómo no, con los rusos, como rememorando la estela de la Guerra Fría.

La conclusión es que las cosas, en vez de solucionarse de forma inteligente y sabia, no hacen más que generar nuevos conflictos con fondo de disparos y explosiones, lo cual que engendra más violencia.

Al final de la película, el Presidente agradece al protagonista que “nunca se rindiera”, pues eso le salvó la vida. Y esta reflexión, esta sentencia del seguir adelante sin acobardarse, recuerda los versos del poeta argentino Almafuerte, “¡Piu avanti!”: “No te des por vencido, ni aun vencido, / no te sientas esclavo, ni aun esclavo”. O los de José Agustín Goytisolo en “Palabras para Julia”: “Nunca te entregues ni te apartes / junto al camino, nunca digas / no puedo más y aquí me quedo.” Así, bien mirada, la cinta tiene su encanto.

ASALTO AL PODER (2013). John Cale (Channing Tatum), un policía del Capitolio ve cómo rechazan su petición de entrar en el Servicio Secreto para proteger al Presidente de los EE. UU. (Jamie Foxx). Un día en que lleva a su hija a una visita por la Casa Blanca, coincide que un comando paramilitar armado asalta el edificio. Con el gobierno pendiente de un hilo, Cale hace lo imposible para salvar al Presidente, al país y a su propia hija.

Dirección mediocre de Roland Emmerich con un guion de poco recorrido y demencial de James Vanderbilt. Insufrible música y fotografía del montón de Anna Foerster

Los dos protagonistas son grises: Channing Tatum parece un héroe de acción, pero solo lo parece, el resto es tedioso. Jamie Foxx ni siquiera parece remotamente el Presidente americano. Algunos actores buenos como Richard Jenkins o James Woods están poco aprovechados.

Especie de reformulación del poder político de Estados Unidos plan action hero —híbrido de Barack Obama y un héroe de blaxploitation— la peli de Emmerich no hay que tomarla en serio y su final deviene propaganda basura y monumento a la artillería mala.

Thriller que no encuentra el momento de poner fin a tanto dislate que llega a rozar lo naif y el absurdo, como la quijotesca persecución de los sicarios tras el coche presidencial por medio de los jardines de la Casa Blanca a disparo limpio, frente al vehículo blindado, plan dibujos animados.

En algún momento me pellizqué a ver si me había dormido y estaba soñando. Pero no, era la peli de Emmerich y el policía y el presidente seguían yendo de la mano. Muy tierno.

EN EL PUNTO DE MIRA (2008). Cuando vi esta película en su estreno, me llamó profundamente la atención pues el supuesto magnicidio del presidente USA se produce en Salamanca, la ciudad universitaria donde cursé mi carrera y la menos apropiada para algo así.

Película dirigida por Pete Travis y escrita por Barry L. Levy se centra en un intento de asesinato contra el presidente de los Estados Unidos, en la Docta Salmántica, visto desde las perspectivas de diferentes personajes. Tiene un buen reparto: Dennis Quaid, Matthew Fox, Forest Whitaker, William Hurt y Sigourney Weaver, nada menos.

Se ha querido comparar esta cinta con Rashomon (1950) de Kurosawa. Sin embargo, esta película es bastante inferior a la suma de sus partes. En el clásico de Kurosawa, las múltiples perspectivas se combinan para revelar algo profundo sobre la subjetividad humana, mientras que aquí parecen meramente un truco llamativo.

La obra no puede resistir la tentación del cliché, lo que la hace mucho más predecible de lo que aparentemente pretendía. Y si entre el público ves a una persona de evidente origen de Oriente Medio, ya puedes adivinar que es uno de los terroristas.

O sea, al llevar al espectador por varios caminos engañosos antes de revelar finalmente la Gran Verdad, el filme no deja de ser un thriller, género donde las "redes de intriga" y las "cosas que no son lo que parecen" son algo común. Regular.

AIR FORCE ONE (El avión del presidente) (1997). Dirigida por Wolfrang Petersen, con libreto de Andrew Marlowe, guion tópico, previsible y bastante fuera de realidad. Tiene una buena música de Jerry Goldsmith y correcta fotografía de Michael Ballhaus.

Lo más llamativo es el reparto, con Harrison Ford como cabeza de cartel, un papel tipo Indiana Jones pero en Presidente USA que Ford interpreta como es su costumbre. Y le secundan actrices y actores profesionales como Gary Oldman o Glenn Close entre otros; todos bien.

El gran problema de esta película es un guion cortito, falto de imaginación, de planteamiento pobre y con un grado de tensión insuficiente, quedando la historia ramplona, sin fuelle, frente a un desenlace previsible.

Del hollywoodiense final es mejor no hablar por su total falta de credibilidad y su fantástica terminación, en el peor sentido del término.

El carisma de Harrison Ford salvó a esta película de una debacle en taquilla; incluso accedió al terreno Oscar: increíble. Filme mediocre que no merece más palabras.

EN LA LÍNEA DE FUEGO (1993). Los thrillers son tan buenos como sus villanos, y en esta cinta tiene uno excelente: un tipo astuto y repugnante que se infiltra insidiosamente en la psique de un veterano agente del Servicio Secreto llamado Horrigan (Clint Eastwood).

El malo disfruta manipulando psicológicamente a sus oponentes y hace llamadas telefónicas amenazando con asesinar al presidente. Elige a Horrigan porque sabe que este agente aún se siente culpable por no haber podido salvar la vida de John F. Kennedy 30 años atrás.

El aspirante a asesino se llama Mitch, interpretado bien por un John Malkovich como hombre inteligente y retorcido que usa disfraces, identificaciones falsas y modales aduladores.

Ocurre que Horrigan tiene las manos atadas. El presidente se presenta a la reelección y su jefe de gabinete (Fred Dalton Thompson) no quiere que parezca un cobarde. Así que, después de que Horrigan dé un par de falsas alarmas, lo apartan de la seguridad de la Casa Blanca y restringen las normas para seguirle la pista a Mitch.

Esta obra es similar a las entregas de Harry el Sucio de Eastwood, en que un asesino psicópata juega con el policía. La película incluso incluye a la típica compañera de Eastwood, una agente interpretada por Rene Russo dura y capaz, y que se puede enamorar.

Thriller inteligente, tenso y bien realizado. El director es Wolfgang Petersen, logra desarrollar la trama con precisión, al tiempo que crea personajes sorprendentemente entrañables.

Russo, en el papel de Lilly, la agente, encuentra una interesante variación en el rol de compañera y amante. Su relación con Horrigan comienza con el pie izquierdo, por el machismo de él. Pero su respeto mutuo crece, y hay un momento en el que admiten que se sienten atraídos el uno por el otro.

La trama avanza con los giros y vueltas del guion de Jeff Maguire. Horrigan aprovecha las pistas que le proporciona Mitch, usa su intuición y experiencia, infringe las normas y, finalmente, se ve obligado a poner a prueba la disposición de recibir una bala en lugar del presidente.

Eastwood es perfecto para el papel, como un hombre de larga experiencia y sentimientos profundos. Le acompaña una interpretación inspirada de Malkovich, quien, callado y muy inteligente, urde un astuto plan para acercarse al presidente con una ingeniosa arma. El clímax es emocionante, no solo por la acción, también por su impecable factura.

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Hay películas encantadoras con las que uno se tropieza casi por casualidad. Este es el caso de los dos estrenos que comento: La tarta del presidente (2025), de Hasan Hadi; y la taiwanesa: La chica zurda (2025), de S. Ch. Tsou. En ambas, las protagonistas son unas asombrosas niñas.

LA TARTA DEL PRESIDENTE (2025). Primera película iraquí en competir en Cannes, dirigida por el realizador Hasan Hadi. Se estrenó en la sección Quincena de los Realizadores, donde destacó como un interesante descubrimiento, antes de ganar el Premio del Público y la Cámara de Oro en la ceremonia de clausura. Y en 2025 Irak presentó esta obra como candidata oficial a los Oscar.

Hadi escribe y dirige el filme ambientado en el Irak de los años noventa bajo el régimen de Hussein, durante un brutal período de sanciones económicas y bombardeos aéreos que provocaron escasez de alimentos y medicinas.

Un poco de Historia

Aquellos años noventa fueron una época dura para el Partido Baaz Árabe Socialista y el gobierno de Sadam, definido por su desastrosa invasión a Kuwait en 1990, la Guerra del Golfo y una severa crisis humanitaria y económica provocada por sanciones internacionales.

En ese período se desarrolla la hermosa y tragicómica historia de Hadi, basada en sus propios recuerdos de infancia. Habla de una realidad más extraña que la ficción, de cómo era la vida bajo el gobierno del dictador Hussein.

Durante su tiránico régimen, cada año, los niños que salían elegidos debían cocinar un pastel de cumpleaños en honor al autócrata. A menudo, esta operación implicaba un gran esfuerzo para encontrar con dificultad, los ingredientes necesarios.

El director de fotografía Tudor Vladimir Panduru alza su cámara sobre marismas de una belleza desconcertante. La gente común busca comida en tiempos difíciles. Los padres de Lamia han fallecido, ha sido criada por su abuela Bibi (Waheed Thabet Khreibat). Es una película que se configura como un cuento de hadas contemporáneo.

El cuento… real

Es la historia de una niña de nueve años que sale elegida en su clase y debe reunir los ingredientes para el tal pastel de cumpleaños del presidente: harina, azúcar, huevos, levadura y otros que, o bien no había, o eran carísimos.

Pero Lamia (Banin Ahmad Nayef) y su abuela —junto con su querido gallo Hindi— se dirigen a la ciudad en busca de los ingredientes, pero la nena se da cuenta de que su abuela ha hecho el viaje con otras intenciones. Presa del pánico, sale corriendo a buscar los ingredientes por su cuenta.

La acompaña su mejor amigo y compañerito, Saeed (Sajad Mohamad Qasem), a quien le han encargado en la Escuela recolectar fruta fresca para la celebración del cumpleaños. 

La historia se centra en la pequeña, que vive en la Mesopotamia con su abuela Bibi, una mujer independiente. Pero Bibi es ya una mujer mayor, con dificultades de salud, y se ve incapaz de mantener a su nieta. Aprovecha el viaje para dejar a Lamia a unos familiares.

La huida

Al enterarse del plan la niña huye y emprende una aventura que cambiará su vida. En su huida se reencuentra con Saeed, que está robando carteras. Mientras, Bibi corre frenéticamente y grita a la policía y a los viandantes para denunciar el caso de la su nieta desaparecida.

Con valentía, Lamia logra eludir a sus perseguidores, conseguir el material para el pastel y llegar al parque de diversiones, todo eso con el gallo Hindi a cuestas. Una aventura que los espectadores no olvidarán.

Las personas con las que se encuentran los niños son, por turnos, amables, crueles, intrigantes y oportunistas; pero los nenes —y su gallo— capotean cada caso con una inocencia que se habla de su fortaleza interior.

La guerra y otros

Pero la aventura, los azares e inconvenientes, en última instancia no borran la realidad de que estamos en un país en guerra y bajo los severos apremios del presidente americano George H. W. Bush, como represalia al expansionismo iraquí.

Un Saddan Hussein omnipresente, su foto en todas partes, un sujeto cegado de poder y autocomplacencia, un ser digno de estudio, con un partido Baas que fue casi una religión.

Reparto (infantil, sobre todo)

Lamia, precoz, ingeniosa y perspicaz, cobra vida gracias a la interpretación de Banin Ahmad Nayef; la joven actriz sostiene la película con su espíritu tenaz y cada vez más desesperado. La nena se nos presenta cómo era sobrevivir a la penuria.

Nayef, es un descubrimiento que cautiva de principio a fin. El niño Sajad Mohamad también está extraordinario, al igual que Waheed Thabet Khreibat, como la abuela.

Lecturas ideológicas y calidad técnica

La evolución de la historia tiene una emotividad importante, realzada por los ritmos y las rápidas y abiertas florituras de los instrumentos de cuerda tradicionales en la banda sonora, así como por la decisión de Hadi de filmar en exteriores en Irak: antiguos humedales o calles de la ciudad.

Hadi deja entrever la constante presencia estadounidense en la región, sobre todo en los impactantes momentos finales de la película. El problema de Hadi en la historia es que parece olvidar las responsabilidades que han hecho que Irak nunca se haya recuperado.

Sin este conocimiento, la cinta puede ser un retrato disfrutable del heroísmo y la resiliencia infantiles.

Las imágenes finales de la película impactan, pueden dar hasta miedo y se quedan en la retina durante días.

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LA CHICA ZURDA (2025). Visión de Taipéi en la ópera prima en solitario de la directora Shih-Ching Tsou, una oleada de luz y rascacielos vista a través de un caleidoscopio infantil, un encuadre perfecto para la estructura de la película.

Personajes y situaciones se fragmentarán y recombinarán en simetrías siempre cambiantes, el eje de la simpatía y el resentimiento girará una y otra vez mientras varias generaciones de mujeres de la misma familia taiwanesa atraviesan un par de meses turbulentos.

Rodada con cuatro iPhone, la obra es un retrato seguro y hermoso de la difícil maternidad y la dolorosa condición de hija, pero quizás sea más cautivador por su visión caleidoscópica de la ciudad natal de la directora, donde los personajes parecen rebotar; Taipéi es brillo y es resplandor.

Tras una ausencia gradual de varios años, Shu-Fen (Janet Tsai) regresa a la ciudad con sus dos hijas: la huraña y ágil I-Ann (Shih-Yuan Ma), estudiante universitaria y la encantadora y curiosa nena I-Jing (Nina Ye), un pequeño espíritu en permanente movimiento.

I-Jing está fascinada con su nuevo hogar, sobre todo con el llamativo y vibrante mercado nocturno que se convertirá en su patio de juegos cuando su madre, agotada por las preocupaciones, instale un puesto de fideos en uno de los locales vacíos.

La adolescente I-Ann, entretenida con su teléfono, se queja de que el nuevo apartamento «parece mucho más pequeño que en la foto»; pero se lamenta casi de todo, o sea, está insoportable. Hay que aguantarla y sólo parece amainar cuando se hace cargo de su pequeña hermanita.

La trama se pone en marcha desde el principio: Shu-Fen, siempre con problemas económicos, se verá más que apurada, pues ha tenido que pagar el costoso funeral de su exmarido, del cual estaba separada. En tanto, atrae las atenciones amorosas de un ingenuo bonachón que tiene un puesto de baratijas al lado.

Sin mostrar mucho interés ni fe en el futuro del restaurante de fideos, I-Ann consigue un trabajo como "vendedora de nuez de betel", algo típicamente taiwanés en el que chicas lindas se visten de forma provocativa para vender el suave estimulante en puestos con luces chillonas.

Es la cosa que tiene un romance con su jefe, mientras que la niñita I-Jing se dedica a merodear por el mercado nocturno, un paraíso para los estafadores, y en una de esas adopta una mascota, un suricato.

Más allá del círculo familiar inmediato, existe otro conflicto: la madre de Shu-Fen, vanidosa y moralista, está involucrada en una red de tráfico de personas. Mientras, su marido, le suelta a bocajarro a la pequeña I-Jing que ser zurda es una maldición, ya que la mano izquierda "pertenece al diablo" (de ahí el título).

I-Jing absorbe esta superstición popular, como hacen los niños con los mensajes de los adultos, y comienza a robar baratijas llamativas de los puestos del mercado cercano, utilizando siempre su diabólica mano izquierda.

La trama se desarrolla en múltiples planos, y se requiere una dirección muy diestra para mantener cada hilo argumental atractivo, como lo vamos viendo. Tsou alterna entre las distintas perspectivas con la gracia de un malabarista, mostrando una profunda compasión por sus personajes (excepto por la abuela, retratada con dureza), incluso cuando ellos no sienten compasión el uno por el otro.

Un episodio hacia el final es realmente dramático. Es en la celebración del cumpleaños de la abuela, cuando en una discusión de I-Ann bajo los efectos del alcohol, declara que la niña I-Jing no es su hermana menor sino su hija y que, por lo tanto, su abuela es bisabuela de esta. Esta revelación abrupta es una afrenta en Taiwan, una revelación llena de resentimiento durante una serie de enfrentamientos socialmente embarazosos.

En todo momento el pulso de la película late con firmeza gracias a su deslumbrante fotografía realizada con iPhone, obra de Ko-Chin Chen y Tzu-Hao Kao. La lente panorámica se abre cada vez más, como si intentara devorar las vistas nocturnas de la ciudad iluminada por neón en grandes bocanadas.

Es una historia atractiva, en una bulliciosa metrópolis de decadencia y esperanza, y a veces, simplemente la cámara recorre a toda velocidad en scooter las calles de Taipéi, intensamente iluminada contra un cielo oscuro, genial y desenfrenada actividad cinematográfica.

Hay una escena de montaje rápido, la niña corre de vuelta al puesto de fideos a través del mercado mientras suena música percusiva, rebosante de miedo y emoción por su nuevo pasatiempo ilícito de hurtar pequeños objetos.

Ejemplo de inmersión sensorial, el montaje entrecortado imita la descarga de adrenalina de la novata ladrona que recorre sus venas infantiles. Estas imágenes junto con escenas de patinetes y las tomas deslumbrantes de la vida callejera de Taipéi, hace muy especial esta entrañable película.

De vez en cuando, por un instante fugaz y conmovedor, la imagen fragmentaria se resuelve en una simple expresión de amor recuperado por el primer lugar al que llamaste hogar.

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“Nuestra harina El Vaporcito siempre apoya la cultura, el deporte y el arte”.

Hay películas que tratan con gran dureza las dictaduras comunistas, lo cual me parece bien y acorde al enorme daño que hicieron e incluso hacen, estos regímenes sobre la población sometida.

Pero hay otras que hacen crítica y sarcasmo, pero tirando de humor. Al fin, el humor es muy importante para templar gaitas, calmar los ánimos, conciliar voluntades y hacer la vida mejor.

En línea con esta premisa traigo tres películas geniales: Good bye, Lenin! (2003), de W. Becker; Un, dos, tres (1961), de B. Wilder; y Ninotchka (1939), de E. Lubitsch.

GOOD BYE, LENIN! (2003). Esta película se sitúa en el Berlín de 1989, a pocos días de que caiga el Muro. Justo cuando la madre de Alex, una mujer orgullosa y apasionada del comunismo, en esos mismos días había entrado en coma por un accidente cerebro vascular.

Ocho meses después, tras despertar de su letargo, su amantísimo hijo hará lo imposible para esconderle la realidad de la caída del comunismo, y que no se entere de que ya se está viviendo la reunificación alemana. Que no sepa que el capitalismo altivo se ha apoderado al fin de la Alemania comunista.

Todo el empeño del amoroso joven se vuelca en convertir el apartamento que habitan, con su madre reposando en la cama, en una especie de isla anclada en el pasado comunista, que todos los detalles: la comida, las celebraciones, incluso los programas de TV que él mismo graba de forma casera con un amigo (incluidas las noticias trucadas del líder Honecker); todo al detalle para que no se note el gran cambio en el país. Las idas y venidas de su hijo son un ejercicio de amor y comicidad a partes iguales.

Toda esta parodia, todas estas cómicas y delicadas escenas del amor de un hijo, de la añorante madre, hace agradable y tierno el filme, sin restar su carga de sátira, el retrato de la realidad de un mundo que cayó hecho pedazos en pocas horas, dejando a un lado a convencidos o nostálgicos del pasado.

La película está bien dirigida por Wolfgang Becker, que construye una caricatura cordial de la época y del contexto de aquel Berlín recién reconvertido e invadido de curiosos occidentales. Becker logra continuas situaciones cómicas que contrastan con otras llenas de emoción, y al mismo tiempo, se permite criticar y mostrarnos las taras de ambos sistemas: el capitalista y el comunista, aunque a este último le da más fuerte.

Gran guion del propio Becker junto a Bernd Lichtenberg, un libreto cargado de chispa y encanto. Buena música de Yann Tiersen y una excelente fotografía de Martin Kukula, que sigue con la cámara a sus hiperactivos personajes.

Reparto de los buenos, destacando el genial y convincente Daniel Brühl, a quien acompañan Katrin Saß, Chulpan Khamatova, Maria Simon, y otros actores de reparto de gran calidad.

La película no es un tratado sociológico o político sobre la caída del muro o de los comunismos, tampoco pretende hacer un análisis histórico en profundidad. El filme es ante todo una comedia entretenida y original, que aporta una visión amable de la caída del muro.

Una historia que cuenta cómo evolucionan sus protagonistas, los cambios y alternativas que se abren con el advenimiento de la democracia y el libre mercado. Una visión también respetuosa para con los antiguos habitantes de la República Democrática Alemana.

Cinta didáctica para quienes no conocieron el comunismo, y, además, una lección simpática de esta forma de gobierno, sin acritud ni causticidad excesiva. Se cuenta la caída del muro de Berlín y la reunificación alemana a finales del siglo XX. Se muestra la inutilidad de quedar anclado en el pasado y la necesidad de evolucionar.

UNO, DOS, TRES (1961). Esta película de Billy Wilder es un paradigma del cine de humor, un humor de gran sutileza, un humor irónico, cáustico y veraz sobre aquel experimento tan cruel que fue el comunismo de la URSS, sin excluir el nazismo o el capitalismo feroz a quienes también da un repasito bueno.

Wilder trata estos temas con un afilado guion escrito por él mismo junto a I.A.L. Diamond, basado en la comedia en un acto "One, Two, Three" (1930), del húngaro Ferenc Molnár (1878-1952), gran intelectual de la primera mitad de siglo pasado.

Sus aceradas escenas, su mordiente, su comicidad de hondo calado y a veces la carcajada que suscita, hacen de este filme una obra imperdible y un análisis muy agudo del comunismo y también del mundo empresarial norteamericano. Esta aguda humorada, está ambientada en el Berlín de la Guerra Fría.

La película tiene una gran música de André Previn, que incluye fragmentos de la "Danza del sable" de Khachaturian, "Las Walkyrias" de Wagner, e incluso del rock: "Itsy-Bitsy Teeny-Weeny". Y excelente fotografía en blanco y negro de Daniel L. Fapp, que además mueve la cámara con "gags" visuales y subrayando la trama.

El reparto es genial, con otro grande, el actor James Cagney que borda el papel de empresario ambicioso, jefe de ventas de Coca-Cola en Berlín que vislumbra por fin su meteórico ascenso en la empresa, dando el salto al otro lado del Telón de Acero.

Igualmente de lujo están el resto de actores y actrices de primer orden como Pamela Tiffin, Horst Buchholz, Arlene Francis y otros. Un auténtico coro de intérpretes con vis cómica y enorme ingenio.

Cuenta la vida en Berlín del ambicioso, astuto y típico norteamericano C.R. MacNamara (Cagney), quien desde el occidente berlinés pretende abrirse paso hacia la URSS con su incuestionable Coca-Cola.

Sueña con con la llegada de ese día, mientras se entretiene con su secretaria y procura pasar por alto las excentricidades de su plantilla que sigue actuando con las mañas del recién extinto nazismo.

Pero lo que su jefe supremo le encarga desde los EE. UU. es que cuide a su hija Scarlett, que llega a Berlín de visita temporal. Scarlett es una enredante e impetuosa joven que, con dieciocho años, ya ha estado prometida en cuatro ocasiones.

Pero lo peor viene cuando tras saltarse la vigilancia de MacNamara, conoce y se enamora perdidamente de Otto Piffl, un joven comunista cargado de ideas estereotipadas y consignas, que vive en la Alemania Oriental. A partir de aquí todos los planes del ambicioso jefe de ventas peligran. MacNamara hará lo imposible por deshacer el noviazgo.

Wilder destaca y luego ridiculiza los tópicos del nazismo, del comunismo –al que le dedica grandes dosis de sátira- y del capitalismo, pues desvela los aspectos más deficitarios del mundo americano (recordemos que Wilder es de origen húngaro).

De manera que delata, siempre en clave de humor, la disciplinariedad estúpida de las reminiscencias hitlerianas en los taconazos y forma de cuadrarse de los empleados berlineses, se ríe de las consignas y el colectivismo comunista, ataca la enfermiza obsesión por ganar dinero de los americanos, y denuncia la ambición social por el ascenso y el reconocimiento.

Humor más que inteligente, ritmo trepidante, montaje perfecto, interpretaciones admirables, escenas a toda velocidad con persecuciones alocadas, James Cagney magistral, enérgico y chillón, representante de ese capitalismo maquiavélico típicamente americano, con sinuosa secretaria y chistes en tropel.

NINOTCHKA (1939). La genialidad del director Ernst Lubitsch es palmaria desde los primeros momentos del filme, una obra producida y dirigida magistralmente por él. Tiene un guion superlativo de Charles Brackett, Billy Wilder y Walter Reisch, basado en una historia de Melchior Lengyel e inspirado en un musical de Broadway titulado Silk Stocking.

La historia es así. Tres representantes del gobierno soviético (Sig Ruman, Félix Bressart y Alexander Granach) llegan a París para vender unas joyas que habían pertenecido a la antigua aristocracia rusa: La Gran Duquesa Swana (Ina Claire).

La Gran Duquesa envía a su amante Leon Dolga, el conde d´Algou (Melvyn Douglas), un locuaz bon vivant, para intentar mover hilos legales y recuperar las susodichas joyas. Para lograrlo, Leon atrapa al trío de comunistas bajo los encantos sexuales y festivos de la ciudad de la luz y del capitalismo en general.

Como quiera que los comisionados se retrasan, Moscú decide enviar un nuevo y férreo representante de su gobierno: Nina 'Ninotchka' Ivanovna Yakushova (Greta Garbo). Ninotchka es una convencida comunista pragmática y analítica. Pero casualmente, una tarde conoce al conde, el cual se siente fascinado por ella, sin saber aún que es una agente soviética.

Con sus artes y encantos Leon ablanda el corazón de Ninotchka, su frialdad comunista cede y ambos se enamoran. Cuando se entera la Gran Duquesa, celosa y con artimañas fuerza que Ninotchka vuelva apresuradamente a la URSS. Una vez allí, Ninotchka queda prácticamente aislada sin apenas recibir noticias de su amado Leon.

Pero en un viaje que debe hacer a Constantinopla por otro asunto de trabajo, se encuentra de nuevo con su amado caballero. En la historia el trío de agentes bolcheviques aporta uno de los motivos principales de risa, que se completa con la figura hierática de Ninotchka, sus justificaciones ideológicas y su inicial falta de sentido del humor.

Estamos en el año 1939, o sea, antes de la Segunda Gran Guerra, pero ya el nazismo apuntaba maneras. Billy Wilder, defensor a ultranza de las libertades, cuando presintió el peligro de Hitler, se fue para EE. UU.

Otro régimen que atentaba contra la libertad era el comunismo de Stalin. Fue así como adaptó esta sátira de la vida, hábitos y costumbres en la Unión Soviética, filme que dirigió su maestro Ernst Lubitsch con su magisterio mezcla de cinismo, picardía y elegancia.

Este filme goza además de una excelente música de Werner R. Heymann que combina antiguas melodías vienesas de cuerda con modernos fragmentos de viento y percusión; y una “colorista” fotografía en blanco y negro igualmente magnífica de William Daniels, que mueve la cámara con agilidad, haciendo giros soberbios y travellings extraordinarios.

En cuanto al reparto es de lujo. Greta Garbo bellísima, brillante, elegante y cuyo rostro posee gran intensidad ante la cámara; Melvyn Douglas inspirado, genial, simpático: todo un dandi; y acompañan otros artistas como Bela Lugosi, Ina Claire, Sig. Ruman y otros, todos de diez.

Quiero subrayar la importancia que este filme otorga a la libertad, aun con socarronería y sátira, pero con decisión. Con este filme, Lubitsch-Wilder nos previenen de los peligros con el mensaje: amor y libertad versus odio y dictadura.

Me permito recordar que la visión del psicoanalista Erich Fromm en su obra El miedo a la libertad donde refiere la importancia de una libertad positiva, que no es meramente una emancipación de restricciones sociales, que ha de venir acompañada de un elemento creativo y la implicación con los otros.

Según Fromm, un Sistema Autoritario puede reemplazar el orden anterior con una apariencia exterior diferente. Entonces, la genuina manera de ser libre como persona, es ser espontáneo en la autoexpresión, siendo necesario estar vinculados con las personas que nos rodean y buscar todas las oportunidades de amor y de solidaridad. La película habla también de esto y muy a las claras.

Es un filme que hace un profundo y apasionado análisis del ser humano. Nos presenta a personajes que lejos de doblegarse a consignas o ideologías, se conducen por el humor y la amistad, pero sobre todo por el amor que rompe reglas y convenciones; el amor que moviliza energías de manera incontenible.

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Tarik Saleh ha realizado una trilogía dedicada a la feroz y corrupta autocracia que rige los destinos de su país de origen, Egipto, primero bajo el mandato de Hosni Mubarak y luego con el actual Abdulfatah al Sisi.

Se trata de películas interesantes, una trilogía compuesta por el estreno que ahora comento, Águilas de El Cairo (2025); más: Conspiración en el Cairo (2023); y, El Cairo confidencial (2017).

Son, amén de películas de género, fuertes golpes de denuncia en la cara del poder egipcio.

Viendo la evolución de esta singular e impecable trilogía, y también siguiendo la prensa y las noticias, lo que vemos es que las cosas no han mejorado en este grande y milenario país de las Pirámides.

AGUILAS DEL CAIRO (2025). En la historia, George Fahmy (Fares Fares) es un actor reconocido, más querido de Egipto. Se ve presionado a protagonizar una película encargada por las más altas autoridades egipcias.

Aceptando a regañadientes, este papel le hace entrar en el selecto grupo de las personas más poderosas del país. Como una polilla atraída por la luz, comienza un romance con la misteriosa esposa del general que supervisa el proyecto.

Al principio, el protagonista George Fahmy, una superestrella (ficticia) de la industria del cine egipcio (el "Faraón de la Pantalla"), escucha a un actor al que desprecia por protagonizar una reciente película de propaganda política respaldada por el gobierno, decirle: "No veo ninguna contradicción entre ser artista y ser patriota". Justo una línea espinosa que todo actor con cierto nivel de éxito debe cuestionar.

Pero sí hay un valor moral que Fahmy —un tramposo y tipo de dudosa moral— aprecia: su integridad como actor y la convicción de que su trabajo tiene una verdadera valía artística, una genuina importancia que como actor no debe corromper y sí poner en valor.

Sumido en estas cavilaciones y exigencias internas, decide rechazar con desdén la oferta para protagonizar la tal película encargada por el gobierno que glorifica el ascenso al poder del actual dictador Abdel Fattah el-Sisi.

Pero una noche, agentes del gobierno lo abordan en su coche y le amenazan con hacer desaparecer a su hijo adolescente. A partir de ahí, la película se convierte en una especie de thriller político que alcanza su punto álgido cuando entra el actor se pregunta si el arte puede crearse bajo el yugo de medidas totalitarias.

Esta película, como otras de Saleh, hace una aguda crítica a la sociedad y al gobierno egipcio, pero la cinta la contrarresta con una clara nostalgia por el país y un cariño por su tradición cinematográfica, con una secuencia de títulos iniciales que rinde homenaje a los carteles de cine egipcios de los años 50 y 60, dibujados a mano, ricos en color y emotivos.

Ambientada en 2015, la película tiene un ritmo calmo, como para sumergir al público en el mundo de Fahmy y poblarlo con personajes secundarios memorables, desde su novia, mucho más joven y atormentada, hasta su representante gay.

Pero la tensión entre la devoción de Fahmy por su oficio y la situación de vida o muerte que le obliga a participar en la producción cinematográfica le da fuerza al ritmo a veces lento, y la cinta resulta explosiva cuando se adentra en el set para explorar la realización del proyecto, que un productor compara con "Los Diez Mandamientos" de Cecil B. DeMille, para dar una idea de la magnitud, la grandiosidad y la veneración casi religiosa hacia El-Sisi, en lo que se basa la enorme empresa.

Finalmente, el actor protagonista, conmocionado y abatido por la amenaza contra su hijo (un adolescente indiferente y avergonzado al que, sin embargo, su padre adora), Fahmy acepta participar en la película, con la intención de encontrar la manera de contar una historia convincente en torno a los mandatos de Estado.

La película examina el conflicto desde múltiples ángulos, mientras Fahmy lidia con ser convertido en un símbolo del presidente contra su voluntad. Le dicen que no use una calva postiza para parecerse más al presidente. Incluso azuza a sus compañeros para que interpreten sus papeles con más fuerza y empujen; hay que dotar de verismo las escenas), pero con menos deferencia hacia el personaje.

En una disputa con Mansour (Amr Waked), un turbio burócrata gubernamental que supervisa la producción, la cosa empieza a complicarse. Waked está excelente e imponente en el tremendo papel, y Fares resulta especialmente convincente cuando Fahmy se enfrenta a Mansour en el set.

Hacia el último tercio, la historia empieza a flaquear, sobre todo al introducir a un personaje crucial: Suzanne, interpretada por Zineb Triki, la esposa de un ministro que supervisa la película y de quien Fahmy se enamora. Las motivaciones de Suzanne son ambiguas y desconocidas para Fahmy, y su romance empaña de forma poco convincente y forzada el desenlace.

En general, los personajes femeninos de la cinta son superficiales, con Lyna Khoudri relegada al papel bastante insustancial de la sufrida novia joven de Fahmy, con problemas paternos. Puede que sea una decisión deliberada, dado que vemos a esta mujer a través del prisma del sexismo imperante en el país árabe.

Hacia el final, Saleh logra darle un perfecto remate a la película, con un giro inesperado en el tercer acto que aumenta la tensión y permite a Fares plasmar la desesperación de Fahmy con gran realismo.

Lo fascinante del filme es cómo, incluso cuando se aleja del mundo de la industria del cine y adopta los elementos del thriller político, sigue vinculando la acción con las dificultades que Fahmy afronta como actor y portavoz político.

El punto final resume la difícil situación de la profesión con concisión: "Decimos palabras que no son nuestras y experimentamos sentimientos que no nos pertenecen".

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CONSPIRACIÓN EN EL CAIRO (2023). Fascinante thriller político de Tarik Saleh, ganador del premio al mejor guion en Cannes. Comienza con una impactante toma de una balsa destartalada zarandeada por las tumultuosas olas del océano, que sirve como una metáfora perfecta del viaje personal de nuestro protagonista, Adam (Tawfeek Barhom).

Adam, hijo de un pescador viudo en cuya infancia ha forjado sus convicciones islámicas, es un muchacho con una sólida brújula religiosa, pero sin carácter. No es hasta que Adam recibe una beca para asistir a la prestigiosa Universidad Al-Azhar de El Cairo, que logra trascender los límites de su humilde entorno.

Aunque ha estado rodeado de musulmanes devotos en la institución educativa islámica más antigua del mundo, la inocencia del joven pueblerino es tan evidente que su nuevo amigo Zizo (Mehdi Dehbi) le lanza una advertencia: «Tienes un alma pura, pero cada segundo que pases aquí la corromperá», le dice, antes de que Adam se exponga a las fiestas clandestinas de El Cairo.

El estruendo de las bocinas y el bullicio de los mercados callejeros representan momentos vibrantes de la película. Sin embargo, la emocionante aventura del joven que descubre el mundo da un giro dramático tras la repentina muerte del Gran Imán y el brutal asesinato de su amigo. Adam se encontrará en medio de una lucha de poder implacable entre las élites religiosas y políticas del país.

Antes de que los cuerpos se enfríen, surge un enjambre de figuras políticas turbias con intenciones nefastas para elegir a dedo a un Gran Imán que cumpla las órdenes del Estado. La tarea de amañar las elecciones recae en el Coronel Ibrahim (Fares Fares), quien no pierde el tiempo en reclutar al joven Adam para espiar el funcionamiento interno de Al-Azhar.

Además de sus estudios coránicos, Adam trabaja como agente encubierto, infiltrándose en grupos extremistas y derrocando a líderes religiosos hipócritas.

Saleh tiene en su filmografía experiencia en cuestionar la autoridad egipcia, como ha demostrado en su obra, y tiene prohibido entrar al país.

De forma refrescante e interesante, el director sueco opta por no recurrir a la acusación fácil contra el Islam y, en cambio, se centra en la falibilidad de la naturaleza humana y nuestra debilidad por los deseos terrenales. Esta cinta no ofrece un espectáculo deslumbrante, pero invita a la reflexión.

EL CAIRO CONFIDENCIAL (2017). Resulta llamativo que una película neo noir, tipo thriller, con temática policial y que adopta un formato realista, pueda ser desarrollada por un director sueco con orígenes egipcios: una llamativa manera de factura exótica.

Noredin es un detective de la policía egipcia, corrupto, que a pesar de tener un gran futuro en el cuerpo, por una de esas cosas que tienen que ver con el corazón (y no con la razón), modifica su rumbo por otros derroteros más éticos.

El director Tarik Saleh sabe en este film sacar a la luz la sordidez de un universo corrupto de policías, forenses o siniestros personajes de la alta sociedad egipcia. El guion está escrito igualmente por Saleh de manera precisa y el filme trae a la memoria el cine clásico negro, pero dentro del caldero hirviente de los movimientos sociales y políticos de la Primavera Árabe cairota.

La película de Saleh no pierde oportunidad en sus planos para servir con gran eficiencia y funcionalidad y aportando valiosa información adicional sobre un contexto de corrupción generalizada.

Excelente la fotografía en tono marrón de Pierre Aïm que utiliza lentes de cámara sin recubrimiento.

En el reparto un Fares Fares de perfilado rostro y nariz prominente se mete con total solvencia en el rol de un comisario de la policía egipcia que asciende a coronel; individuo en el cual conviven ángeles y demonios a partes iguales. Le acompaña un un gran elenco.

Hay en esta obra de denuncia un virtuosismo realista que desmigaja la condensada confabulación de podredumbre y ausencia de integridad en la sociedad cairota de hace años. La sensación palmaria es la de asistir mientras dura la proyección, a una obra que no para de destapar una red de corruptelas en serie.

O sea, el retrato de un país devastado por la oscuridad siniestra de un régimen que Saleh aprovecha para evidenciar la podredumbre que encierra.

Ambientada en 2011, tiene sabor a thriller político setentero y Fares Fares está estupendo de policía corrupto corroído por las dudas. Es una propuesta que a la vez que sorprende resulta interesante y entretenida. Esta es la razón de que este título haya gozado de múltiples alabanzas de parte de festivales y críticos.

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“Nuestra harina El Vaporcito siempre apoya la cultura, el deporte y el arte”.

La película biográfica puede parecer un tributo vulgar, aunque necesario, para que el cine popular hable sobre el arte culto. Hay académicos y esnobs que se burlan de estas películas. Pero en lo más íntimo, a los más serios les gusta, sobre todo cuando son divertidas y fieles al relato.

Ayuda a conocer al personaje, además de poder ser admirado y digno de simpatía. Lo hemos podido ver con el pintor Van Gogh u otros genios. Mejor si es una vida como la del dramaturgo y poeta William Shakespeare, de la que poco sabemos y que deja espacio para la ficción. Hoy le toca a Kafka, un genio que sigue siendo actual.

Veamos películas como el estreno: Franz Kafka (2025), de A. Holland; Kafka, la verdad oculta (1991), de S. Soderbergh; o La grandeza de la vida (2024), de G. Maas y J. Kaufmann, centrada en el último año de vida del escritor.

FRANZ KAFKA (2025). El escritor Franz Kafka (1883-1924) no fue famoso en vida. Sorprende que sepamos tanto sobre él. De hecho, es incluso milagroso que conozcamos su obra, ya que le encargó a su amigo y albacea literario, Max Brod, que destruyera todos sus escritos y cartas personales tras su muerte.

Por suerte, Brod fue, en cierto modo, el peor albacea literario del mundo, pues incluso arriesgó su vida en ocasiones para sacar clandestinamente la obra de Checoslovaquia mientras huía de los nazis hacia Palestina, como se expone en esta nueva película biográfica de la directora Agnieszka Holland.

Según lo que he indagado, esta puede ser la única película biográfica completa sobre Kafka realizada hasta la fecha, aunque existen otras que lo convierten en un personaje atrapado en un mundo muy parecido a su propia ficción absurda y amenazante.

Holland, sabe que las biografías convencionales son inherentemente simples y corren el riesgo de ser aburridas y sin estructura si siguen un orden cronológico rígido por la vida del autor. Además, tiene que lidiar con el hecho de que la vida de Kafka no fue especialmente agitada ni interesante.

Kafka creció en una familia judía alemana acomodada en Praga; tuvo una relación difícil con su autoritario padre, Hermann, pero buena con su madre y hermanas; trabajó en el departamento legal de una compañía de seguros; se comprometió, pero rompió el compromiso y nunca se casó; contrajo tuberculosis y murió a los 40 años. Hasta aquí un resumen.

Su escritura, a la que se dedicó con fervor, era lo más interesante de él: una vida intelectual intensamente rica y variopinta.

Para superar los desafíos de esta biografía, los realizadores, Holland, el guionista Marek Epstein, el editor Pavel Hrdlicka y el equipo han optado por crear una película de montaje lúdico y caleidoscópica, hecha febrilidad, alrededor de la vida de Kafka y más allá, saltando décadas con un solo corte.

En la estructura hay conexiones causales evidentes. Por ejemplo, vemos al joven Franz (interpretado de niño por Daniel Dongres) cuando su padre (un magnífico Peter Kurth) le enseña a nadar arrojándolo a un río tras unas pocas lecciones, obligado el niño a hundirse o nadar (se hunde).

A esa escena le siguen saltos temporales que muestran a turistas en la actualidad admirando un lugar a orillas del río donde el Kafka adulto siempre descansaba después del baño.

Del mismo modo, una sección aborda la obra epistolar del Franz adulto (interpretado por Idan Weiss, un doble exacto del verdadero Kafka y también un intérprete talentoso) en la cual una guía turística (Emma Smetana), en el museo Kafka, señala que escribió montañas de cartas.

Holland se deleita con un toque travieso al mostrar cómo este perfeccionista introvertido y neurasténico es un icono en la Praga actual, con hamburgueserías, visitas guiadas y todo tipo de baratijas que se venden en su nombre.

La película se esfuerza por ofrecer un retrato completo de Franz, que transmita su intelecto, su sentido del humor y su compleja vida interior.

Dedica un tiempo a su tortuosa relación con Felicie Bauer (una tierna Carol Schuler), la pariente de Brod residente en Berlín a quien Kafka le propuso matrimonio. Pero no tardó en enamorarse perdidamente de la mejor amiga de Felicie, Grete Bloch (Gesa Schermuly), y comenzó a escribirle cartas, un absurdo y triste lío romántico.

Llega a tener un vínculo amoroso enriquecedor con la periodista casada Milena Jesenska (Jenovefa Bokova), una relación que al menos lo hizo feliz por un tiempo, pero la mujer decide no abandonar a su marido.

El filme es denso pero ágil. La fotografía de Tomasz Naumiuk se caracteriza por su dinamismo y sus momentos estáticos, mientras los personajes se mueven frenéticamente.

Llegamos a comprender por qué Franz anhelaba el silencio para poder dedicarse a su oficio. La banda sonora original de Mary Komasa y Antoni Komasa Lazarkiewicz, complementada con temas indie sadcore de Trupa Trupa, presentes en la película como nexo sonoro que cohesiona las secuencias cronológicamente dispares, y le da un toque de modernidad.

Pero es la interpretación juguetona y dulce de Kafka por parte del debutante Weiss, lo que hará que la gente recuerde esta película: el retrato de un hombre complejo que vivía principalmente en su mundo interior, pero que era capaz de mostrar ternura con amigos y amantes.

El filme no minimiza la importancia de la identidad judía y las creencias sionistas de Kafka. Casi ningún miembro de su familia sobrevivió al Holocausto. Pero eso ocurre mucho después de la muerte de Franz.

Hay una tensa escena casi final, donde Brod escapa por poco del control de un oficial de la Gestapo en un tren, con todos los papeles de Kafka en su maletín. En el auge del fascismo que Kafka predijo.

Al igual que en sus escritos, esta película es una especie de meditación destilada y abstracta sobre el poder, la ley, el control y el deseo que trasciende los límites banales del realismo.

LA GRANDEZA DE LA VIDA (2024). Nos situamos en el año 1923. Dora Diamant y Franz Kafka, aquejado de tuberculosis, se conocen por casualidad en la costa del mar Báltico. Él es un hombre de mundo, ella del Lejano Oriente; él escribe, ella baila. Ella tiene los pies en la tierra, él parece flotar siempre por encima de todo. Ella se entrega a la certeza, la realidad, hechos seguros; él se enreda en la irrealidad, la subjetividad, las emociones o las conjeturas.

Pero a medida que se conocen, todas sus diferencias se vuelven irrelevantes. Solo les queda un año antes de que Franz Kafka muera prematuramente, mientras la salud de Kafka se deteriora progresivamente.

Juntos van a Berlín y, cuando la salud de Franz cae súbitamente, se ingresa en un sanatorio en Austria. Un año después de conocerse, muere. El recuerdo de su tiempo juntos influye en Dora para el resto de su vida. Su año juntos les permite a ambos experimentar "La grandeza de la vida".

Magnífica la dirección y el guion de Georg Maas y Judith Kaufmann, tiene una esplendente fotografía de Judith Kaufmann y las notas de Paul Eisenach y Jonas Hofer.

Una preciosa película con muy buenas interpretaciones, un reparto donde destacan Henriette Confurius como Dora, Sabin Tambrea es Kafka o Manuel Rubey. Contada con sutileza, incluye fragmentos de la obra del escritor y acentúa la personalidad del personaje.

Amor contra viento y marea: esa podría ser la premisa de esta obra. Basada en la exitosa novela homónima de Michael Kumpfmüller, narra el conmovedor romance entre Franz Kafka y Dora Diamant.

KAFKA, LA VERDAD OCULTA (1991). Praga 1919, cuando Kafka no pasa de ser un mero empleado en una empresa de seguros, un hombre ensimismado y con la obsesión por la muerte misteriosa de su íntimo amigo, inicia una búsqueda que lo introducirá en un ambiente peligroso y de misterio.

 El guion de Lem Dobbs toma al personaje del escritor y lo sumerge en una historia kafkiana completamente ficticia, que sirve para desarrollar algunas de sus ideas. El protagonista vive en un mundo absurdo, nada parece tener lógica en él.

En la empresa donde trabaja hay un jefecillo que toma nota de las faltas con una precisión y mala voluntad ridículas. Dos torpes empleados parecen sacados de un sueño. Un inspector de policía que nunca acierta con la verdad. Un asesino demente ronda con una risa nerviosa. Y un doctor paranoico experimenta con humanos, aunque no sepa para qué. El final de la película confirma plenamente el deprimente pesimismo kafkiano.

Soderbergh rueda con estética expresionista acorde con Kafka. La fotografía de Walt Lloyd (B&N) ofrece una visión deformada de la realidad, la visión de los hombres según Kafka. La visualidad es espléndida, con hermosas tomas de la ciudad de Praga en blanco y negro, o en color en el interior del castillo.

Inspirada música de Cliff Martinez, tiene un buen elenco con actores como Jeremy Irons (aspecto cadavérico y pálido para una versión ficticia del gran escritor checo), así como secundarios de lujo: Alec Guinnes, Armin Müller?Stahl o Iam Holm.

La obra parece ambientada en la pesadilla de un escenógrafo y se desarrolla en una Praga que recuerda a las ciudades imaginarias de la ficción kafkiana, para luego trasladarse a un decorado interior que parece la casa de Drácula. 

No obstante, el filme es algo pesado y la acción transcurre con lentitud. Mezcla de biografía, hipótesis, interpretación y ocurrencias.

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