Hoy doy a conocer cuatro títulos que hablan sobre este tema: La guitarra flamenca de Yerai Cortés (2024), de C. Tangana; Carmen (1883), de C. Saura; De barro y oro (1966), de J. Bollo; y, La condesa descalza (1954), deJ. Mankiewicz.

LA GUITARRA FLAMENCA DE YERAI CORTÉS (2024). Hay una idea interesante atravesando esta obra: el arte no surge únicamente del talento. Surge también de las heridas y de aquello que una familia calla durante años, de los conflictos que una persona arrastra sin saber exactamente cómo nombrarlos.

Antón Álvarez, el rapero y compositor más conocido como C. Tangana, entiende esto desde el principio y construye un documental que utiliza el flamenco como vehículo para hablar de algo muy profundo.

Tiene su origen el filme cuando Tangana descubre a Yerai Cortés, guitarrista admirado de la nueva generación flamenca. Su figura tiene un lugar singular dentro del panorama musical español.

Es un guitarrista respetado por los sectores más tradicionales del flamenco y también mantiene un pie firme en los espacios contemporáneos. Los modernos le hablan como a un moderno y los gitanos como a un gitano. Esa dualidad define su identidad artística.

Lo que inicialmente parece un documental acaba en una investigación emocional sobre una familia. A medida que Yerai trabaja en sus nuevas canciones, afloran recuerdos, ausencias y conflictos que han acompañado a sus padres, a su entorno y a él mismo en su vida. El flamenco, no sólo es un género musical, sino un lenguaje para expresar lo que las palabras no explican.

Antón Álvarez comprende dónde reside la fuerza de su protagonista. No como virtuoso o mito. Es un artista en proceso de entenderse a sí mismo. Esa decisión permite que el documental mantenga una cercanía con el espectador.

Yerai resulta carismático y profundamente humano, cualidades para sostener una película tan cercana a él, dejando en un segundo plano incluso la música.

La verdadera revelación termina siendo su familia. Especialmente María, su madre. Cada vez que aparece en pantalla el documental toma una energía distinta. Con capacidad para recordar, contar historias y enfrentarse a emociones complejas, momentos memorables de la película.

Hay algo muy auténtico en la forma en que esta familia se relaciona con la cámara. Hablan de amor, dolor, errores y afectos con una naturalidad que pocas veces se encuentra en el documental contemporáneo.

El aspecto musical, aunque escaso, es notable. Las interpretaciones están filmadas con una sensibilidad visual más allá del formato convencional del concierto. Algunas secuencias parecen videoclips; otras se sienten como reuniones espontáneas donde la música surge de manera orgánica. El documental transmite la intensidad física del flamenco, cada nota encierra una historia personal y colectiva.

Álvarez demuestra una enorme intuición visual y una capacidad evidente para detectar momentos emocionalmente poderosos. Hay fragmentos donde el documental parece confiar menos en sus personajes y más en los mecanismos de construcción narrativa.

Algunas revelaciones se administran con una voluntad de misterio efectiva, aunque por momentos parece un reality show, en la manera de organizar la información en pos del impacto dramático.

Esa tensión atraviesa toda la película. Por un lado, está el observador sensible que sabe cuándo apartarse para que hablen los personajes hablen. Por otro lado, aparece el narrador y el espía que busca construir una historia. a veces hay cierta sensación de desequilibrio ocasional entre la espontaneidad, el sensacionalismo y la puesta en escena.

Como director debutante, Álvarez exhibe una evidente fascinación por sus propias herramientas visuales. Algunas secuencias musicales poseen una energía extraordinaria. Pero no siempre encuentra la distancia adecuada entre la observación documental y el espectáculo visual. Pero siempre hay ambición, no comodidad.

Esta cinta comprende algo fundamental sobre el arte. Las canciones que Yerai intenta componer no son simplemente piezas musicales. Son intentos de comprender una historia familiar, de ordenar emociones contradictorias y convertir experiencias difíciles en algo para compartir con los demás. También consiste en encontrar una forma de convivir con aquello que nos persigue.

Antón Álvarez demuestra curiosidad genuina por las personas que filma y es eso lo que permanece. No el misterio familiar, las revelaciones ni la música. Queda la sensación de haber acompañado a un artista en el proceso de entender quién es y de dónde viene.

CARMEN (1983). Magnífica obra de Carlos Saura, con la presencia impagable del bailador Antonio Gades acompañado de una gran Laura del Sol y Cristina Hoyos, y la curiosa participación de Pepa Flores, con la guitarra flamenca de Paco de Lucía. Obra coral de las buenas.

La historia habla de Antonio, director de una compañía quien en su afán de montar la celebérrima “Carmen” de Bizet, se tropieza con una protagonista del mismo nombre con la cual reproducirá la tormentosa y tanática relación amorosa reflejada en la ópera. Resulta original la hibridación de la obra de Bizet con la trama del filme.

Una cinta nominada a los Oscar y con múltiples galardones en los Globos de oro, Bafta o Cannes. Fue la segunda entrega de una trilogía Saura-Gades, producidas todas por Emiliano Piedra, junto a “Bodas de sangre” (antes) y “El amor brujo” (posterior).

Magnífica coreografía, el arte de Gades, la sensualidad de Lucía y una puesta en escena muy buena, así como una meritoria dirección artística. El baile, la voz, las miradas, los gestos: fuerza escénica.

Saura, artista nato, de nuevo conjuga cine con otras artes, consiguiendo un mosaico impresionante, reflejo de la intensidad y el arte español en su más universal acepción: el flamenco.

DE BARRO Y ORO (1966). Película extraña, “rara en su casi marciana vocación de normalidad” (Elena S. Sánchez). Una historia de cantaores fracasados, toreros en busca de fortuna, de cupletistas enamoradas y empresarios fulleros, a los que la realista y cuasi-documental dirección de Joaquín Bollo dota de una singular y exótica sensación de veracidad.

En la historia, Manuel, un joven adolescente llega a Madrid para conseguir su sueño que es ser torero. Conoce a Juan, un cantaor bebedor y arruinado, hombre maduro, quien junto a su amiga Lola, ayudará al joven para que tenga su oportunidad en una tienta en la finca de un empresario importante.

Maravillosa película de Bollo Muro, no muy conocido por el gran público, especie de director maldito que tiene películas interesantes. Antes de esta cinta había dirigido Gitana (1965), de corte folclórico, un musical con el estilo Bollo, también una obra extraña que jugaba con los tópicos para volverlos del revés.

Bollo Muro es un hombre de cine que se había iniciado en Inglaterra como ayudante de dirección y auxiliar de producción, y que estudió en el antiguo Instituto de Cinematografía de Madrid. Tenía estudios, gran experiencia y bien conectado con los escritores del momento. Con una biografía, una experiencia y unas cualidades que hubieran merecido mayor reconocimiento.

Esta película suena a popular pues además de taurina, narra el mundo de un cantaor de éxito, alcoholizado y fracasado. Pero el guion del escritor Juan García Hortelano y del propio Bollo, le da un giro, exponiéndonos una galería de personajes sin apoyos ni esperanza, unos fracasados, algo usual en la dictadura de tardo post-guerra.

De este film podríamos decir que es, más que castizo, anti-folklórico, generando un atractivo misterioso en el espectador, donde se ve el sello de García Hortelano y su estilo narrativo próximo al documental.

Hortelano y Bollo toman lo más popular del mundo hispano, los toros, el cante, las cupletistas, etc., y todo eso lo “revuelven”, y nos colocan ante la cruda España del momento, consiguiendo en ocasiones resultar incómoda y remover al espectador en su butaca.

Un torero que va a triunfar pero que no termina de hacerlo, y es que la película acaba por donde debería empezar, y contiene los personajes que deben estar en este tipo de cintas: el empresario fraudulento, la cantaora como figura trágica y dispuesta al sacrificio por su amor, en fin todos son personajes oscilan desde la nada hasta la opulencia, pasando por el amor, la marginación y el desencanto.

Es un filme que por su título, parece que va dar algo que luego no da, pues da la vuelta a la trama y nos pone frente una obra por encima del tópico, que vuela por encima de la realidad pero que a la vez es un documento de la realidad misma. Difícil de expresar, recomendable visionarla.

En cuanto al reparto tenemos a un genial Juanito Valderrama en su mejor papel en el cine, encarnando a un personaje tremendo: cantaor borracho y suicidal, que canta un flamenco protesta (“Yo canto como el primero / cuando a mí me da la gana”).

Estupendo Manuel San Francisco y el resto de artistas como Adriano Domínguez, Luis Ferrín, Alejandra Nilo y Pilar Gómez Ferrer. Un rosario de personajes puestos de manera dura y que llaman mucho la atención. Gran fotografía de Juan Julio Baena (B&W).

Es una película que no ha envejecido, que se puede ver hoy, una cinta que puede pasar por moderna, la caída de los tópicos y todo esto. Es una obra con personajes derrotados y que cuando se estrena en 1962 se sabe igualmente derrotada, como ocurrió en cuanto a público y crítica.

Como explica Elena S. Sánchez: “Es una película que se revuelve contra cada uno de los preceptos que la mantienen en pie. Uno de los más bellos y dolorosos ejercicios de suicidio del cine español”. Efectivamente, aunque suene trágico, es así, una obra muy reivindicable.

LA CONDESA DESCALZA (1954). Tres cineastas norteamericanos están de gira para encontrar un nuevo rostro para el cine. Recalan en Madrid, en un tablao flamenco donde descubren la belleza de una bailarina llamada Vargas Llosa (Ava Gardner).

Tras convencerla, no sin esfuerzo, se trasladan a Hollywood donde consiguen hacer de ella una auténtica estrella, contando sobre todo con la intervención de un Director de cine (Humphrey Bogart).

El productor de las películas y hombre adinerado (Kirk Edwards) intenta cortejar sin éxito a la esquiva Vargas y, en un momento, ella, para humillarle accede a acompañar a Bravano, un multimillonario durante un crucero por la Riviera francesa.

Pero las cosas no van bien con el pusilánime individuo y finalmente es rescatada por un noble francés, conde, con quien se casa. A partir de aquí se desencadena el trágico desenlace que pone fin a su vida.

Es una historia genialmente dirigida por Joseph L. Mankiewicz con flashbacks guiados por voces en off de cuatro de los protagonistas que van narrando la historia dramática de una bailaora flamenca, aunque la verosimilitud del comienzo deja que desear.

Pero se perdona por ver a una Ava Gardner bellísima y arrebatadora y a un Bogart brillante en el papel de personaje tierno y cínico que tiene mucha sintonía con la protagonista. Kirk Edwards hace también un gran trabajo como arrogante productor que servirá para hacer una acerba crítica contra el mundo hollywoodiense.

De otro lado tenemos a un excelente Edmon O'Brien, que ganó el Oscar al mejor actor secundario como representante de María Vargas.

Es, a le vez que el cuento de Cenicienta, la crónica de una muerte anunciada, la de una bailaora de postín española seducida por los cantos de sirena de la industria americana y engullida por las productoras, comandadas por advenedizos y caprichosos ricos del mundo de las finanzas.

Al final, la trama se decide en un matrimonio que propone la fatalidad del “que será, será”. El tal marido conde es un hombre mutilado y desesperanzado, llevado por los celos, que acaba asesinando a la Cenicienta sin zapatos.

Un bello filme dramático al estilo Mankiewicz, con algunos errores en el guion y en la credibilidad de una Ava Gardner que en nada se parece a una bailaora española, por no hablar del ambiente madrileño que parece Méjico.

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Aun así, digan lo que digan, todos merecen el reconocimiento, porque, aunque a Juan Lebrón Chinco no lo conozco de nada y jamás he cruzado una palabra con él, sé que juega al pádel mejor que yo y que lleva a gala el nombre de nuestra ciudad, por lo que no solo merece la distinción, sino también mi agradecimiento.

Reconocimientos que llevan el nombre de El Puerto más allá de sus fronteras

Le sigue, ya con la Medalla de Oro, Daniel Marín Gálvez, «Danielón», con quien estoy seguro de que me he visto, pero jamás he cruzado palabra. Sin embargo, y esto es gracias a Facebook —algo bueno tenía que tener—, me parece una persona sensata, coherente, desprendida y necesaria para una ciudad con una lengua podrida de mierda para algunas cosas.



Por otro lado, tenemos al Grupo Rives. ¿Y qué decir de lo orgullosos que nos hace sentir, a algunos, cuando llegas a Madrid o San Sebastián y pides un gin-tonic con ginebra de la negra y le dices al camarero: «Es que es de mi tierra»? Por eso solo, se lo merecen.

Y comienzan a llegar aquellos a los que podré abrazar, porque José Mesa Ramírez, «Pepe Mesa», no solo es conocido para mí. Compartimos Rocío, confesiones, vivencias… y encuentros con mi padre. Así que me alegro por algo tan merecido. Aparte, claro está, de que comerte una tarta imperial de Pepe Mesa en Logroño, con un gin-tonic de Rives Negra, es como estar en la Puntilla.

Entidades que representan los valores y la historia de la ciudad

Con respecto al Movimiento Scout Portuense, bueno, nunca fui boy scout. Supongo que primero por vago y luego, de mayor, porque, en interés de los niños, consideraban que llevaba demasiada ropa militar a las acampadas. Un gesto que denota la buena labor educativa que hacen con quienes tanto necesitan de buenos valores. Aparte de eso, entre ellos tengo amigos que son más que hermanos.

Y, aunque no soy marinero, la Hermandad de Nuestra Señora del Carmen es Guadalete, es Puerto, somos todos. Así que, merecidísima Medalla de Oro, como la que obtendrán Bodegas Gutiérrez Colosía, para mí, uno de los últimos recuerdos de ese Puerto que olía a fino.

Por otro lado, tanto la Asociación para la Atención de Personas con Diversidad Intelectual (APADENI) como la Patrulla Fiscal y de Fronteras (PAFIF) de la Guardia Civil de El Puerto son instituciones que no solo merecen la Medalla de Oro, sino también nuestro apoyo. Y es que la labor que hacen no se paga con ninguna medalla, pero merece un reconocimiento cuando se hacen bien las cosas.

Las distinciones que llegan directamente al corazón

Y para el final dejo las dos que más me llegan al corazón: Juanjo Macías y la Muy Antigua y Real Hermandad de Nuestra Señora del Rocío de El Puerto de Santa María, porque con ambos comparto vida desde la infancia.

A uno lo vi crecer, luchar por ser él mismo y alcanzar sus sueños. Y sé que, junto a él y con las lágrimas saltadas, estará alguien que no olvidará aquellos, no tan lejanos, 14 años. Echarán la vista atrás y, entre lágrimas, se reirán sanamente de todos los que no se imaginaban que El Puerto sería más grande gracias a ellos.

Del Rocío solo puedo decir que es como dársela a mi padre, a Rafael Sevilla, a Manolito Iglesias, a Rafael Vital, a Sánchez, al Lian Cham Poo y a tantos y tantos seres queridos que solo puedo decir: gracias.

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“Nuestra harina El Vaporcito siempre apoya la cultura, el deporte y el arte”.

Jane Austen (1775-1817) fue una de las figuras más influyentes de la literatura inglesa, reconocida por sus novelas de costumbres y su aguda crítica social de la época georgiana. La ironía de su obra hace que resulte actual.

Obras principales fueron: Sentido y sensibilidad” y “Orgullo y prejuicio”, con una prosa llena de sarcasmo y profundidad en sus personajes. Estas novelas han sido llevadas en diversas ocasiones al cine. Hoy comento: Sentido y sensibilidad (2026), de G. Oakley; Orgullo y prejuicio (2005), de J. Wright; y, Sentido y sensibilidad (1995), de A. Lee (para mí la mejor).

SENTIDO Y SENSIBILIDAD (2026). Nueva adaptación del clásico literario de Austen, las hermanas Elinor y Marianne Dashwood se ven forzadas a dejar su casa de campo de Sussex y a mudarse con un pariente, en cuya casa rural enfrentarán problemas amorosos y económicos.

Dirigida por Georgia Oakley, la sostiene un guion de la debutante Diana Reid. Si bien algunos detalles que contribuyen a que la historia se sienta contemporánea, lamentablemente la película tiene dificultades para forjar una identidad propia.

Con buen juicio, Oakley inicia la película con algo principal en las novelas de Austen: la falta de seguridad económica de las mujeres y la prevalencia del varón. Las hermanas Dashwood, la reservada Elinor (Daisy Edgar-Jones), la apasionada Marianne (Esmé Creed-Miles) y la marimacho Margaret (Bodhi Rae Breathnach), son expulsadas de su mansión debido a un testamento que favorece a los hijos varones.

Elinor encuentra un alma gemela en Edward Ferrars (George MacKay), el bondadoso y tímido hermano de la intrigante cuñada Fanny (Stacy Martin). Sus primeras escenas juntos son tal vez las mejores de la película, con Edgar-Jones y MacKay inmersos en una relación cálida y tierna.

Siguiendo la novela, el guion de Reid nos cuenta lo que está en juego: la madre Dashwood (Caitríona Balfe) se encuentra sin un céntimo e impotente ante la usurpación de la herencia familiar por parte de John Dashwood (Tom Brooke), el único heredero hombre de su difunto marido. Además, este apenas le dará una paga anual de cien libras, insuficiente para sobrevivir.

Antes de que ella y las chicas se muden a una sencilla y modesta casa de campo junto al mar en Devon, tienen que soportar y padecer la insolencia y los desaires de la tacaña y egoísta esposa de John, Fanny (una maravillosamente cáustica Stacy Martin).

Mientras, entre Elinor y Edward crece el afecto mutuo, durante agradables paseos por el campo: retozando en el prado y sesiones en las cuales ella retrata Edward, quien posa amoroso.

Pero los Dashwood no tardan en ser despedidos de su casa donde pasaron años felices, para viajar con penar y pesar al único hogar posible, una pequeña cabaña en Devon, una gracia de John Dashwood.

El nuevo hogar

En el nuevo hogar, Marianne cae en los brazos del diabólico y “encantador” John Willoughby (Frank Dillane), para disgusto del fuerte pero silencioso coronel Brandon (Herbert Nordrum), quien no ve al joven como alguien confiable.

Marianne y Willoughby disfrutan de un romance campestre a dúo de piano y caricias junto a los acantilados, y aunque él le regala un corcel blanco, nunca se compromete antes de regresar a Londres.

Pero volviendo a Edward, resulta ser un joven demasiado pusilánime y en exceso sensato para seguir a su corazón y deja escapar a una confundida Elinor, cuando su familia finalmente se retira al nuevo hogar, ayudados por la amable pero montuna Sra. Jennings (Fiona Shaw).

El viaje a Londres

Cuando la señora Jennings planea un viaje a la capital, Marianne y Elinor la acompañan con enorme entusiasmo por ver a sus jóvenes amores. Los vestidos blancos desgastados y las melenas despeinadas confieren a las chicas una modernidad campestre, que contrasta con los elaborados peinados de sus conocidas londinenses.

La prudencia de Elinor y la alegría de vivir de Marianne se reflejan en la encantadora coreografía de Holly Blakey: en el campo, Marianne y Willoughby participan en una animada y bulliciosa danza folclórica, mientras que Elinor y Edward se cruzan en un animado baile londinense donde bailan un vals sensual y elegante.

Cuando el amor vuela

Elegante ambientación de Oakley (interiores suaves iluminados por velas, caza mayor colgada en la pared y perros impecables), combinado ello con un realismo psicológico emocionante.

Los primeros planos desde ángulos bajos revelan la fragilidad de la compostura de Elinor cuando Edward le dice estar comprometido con otra mujer; y Marianne casi se derrumba de los nervios cuando encuentra a Willoughby del brazo de una adinerada señora.

Las disputas de estos amantes son captadas de forma franca y conmovedora al son de la melancólica música de Roger Goula, aunque el drama más realista de Oakley resulta predecible, con una seriedad que le resta algo del ingenio y la comedia que es lo que caracteriza la obra de Austen.

Romanticismo bucólico y personajes

La visión de Oakley sobre la época es de un romanticismo campestre, con planos de torrecillas, juncos temblorosos, arañas cubiertas de rocío o nenúfares flotantes, que vienen a ensortijar, vestir y complementar la trémula y convulsa vida interior de las hermanas Dashwood, sobre todo Elinor y Marianne.

La más audaz y vivaz es Marianne, seguida por una cámara temblorosa mientras se aventura por el bosque cuando recibe la noticia de la muerte de su padre. Por suerte, Oakley evita el simbolismo cursilón de la Madre Tierra y otras afectaciones.

Edgar-Jones mantiene bien el timón y el rumbo, pero la relación central entre las dos hermanas, de actitudes muy opuestas hacia el amor y la pareja, queda muy desatendida. El desarrollo de las relaciones románticas en el guion sacrifica el verdadero corazón de la historia.

El más llamativo es el Willoughby de Dillane, un canalla desaliñado y vanidoso, a su manera un libertino, que es la presencia más llamativa en la película, pues aporta una ligereza y espontaneidad a un mundo de decoro contenido.

Cerrando

En principio todo resulta bien y lucido, un filme con tintes sociales y un retrato cultural y antropológico de la época. La película captura las texturas del mundo natural en el que las hermanas retozan.

La fotografía, el vestuario y el diseño de producción están influenciados por la versión de 2005 de Joe Wright, lo que incluye algunas referencias a Cumbres borrascosas, novela de Emily Brontë (1818-1848).

Tras abordar los temas clave de Austen, la película se centra en un romance sencillo, lo cual que no aporta demasiado y resulta bastante trillado y, sobre todo, poco grácil y entusiasta.

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ORGULLO Y PREJUICIO (2005). Las cinco hermanas Bennet han sido criadas por una madre obsesionada por encontrarles marido. Pero una de ellas, Lizzie, inteligente y con carácter, desea una vida más abierta, un anhelo respaldado por su padre.

Cuando el señor Bingley, un soltero rico, y sus sofisticados amigos se instalan en una mansión vecina para pasar el verano, las Bennett se entusiasman con la posibilidad de encontrar pretendientes.

En el baile de bienvenida, Lizzie conoce al apuesto y elegante señor Darcy (Matthew Macfadyen), pero, a primera vista, le parece demasiado orgulloso y arrogante.

A partir de aquí, ellos y ellas, por razones diversas buscan encontrar pareja.

Estamos ante una estupenda adaptación de Jane Austen a la pantalla. Tiene mucho de lo que suele ser el cine inglés tradicional: precisión en la reconstrucción de época, humor irónico y desarrollo de personajes muy preciso.

Estos elementos suelen ser, también, lo contrario del cine, en la medida en que coartan la libertad del movimiento. Pero Joe Wright, muy buen director, infunde una vivacidad totalmente contemporánea a su obra.

Como si, en lugar de reconstruir la época, la registrara con pasión y alegría. Ese sentimiento, encarnado en Keyra Knightley, es el que vuelve al filme. Actúan también Matthew Mcfadyen, Brenda Blethyn, Donald Sutherland y Rosamund Pike.

SENTIDO Y SENSIBILIDAD (1995). Película realizada con gran talento por Ang Lee. El filme, lejos de parecer una mera película de época, destila modernidad, siendo que profundiza en las pasiones de unos personajes vivos, actuales, con los que el espectador se puede identificar.

A ello contribuye un magnífico guion de Emma Thompson (novela de J. Austen). Excelente, luminosa y viva fotografía de Michael Coulter, amén de una gran partitura musical de Patrick Doyle con momentos apoteósicos. Muy buena puesta en escena con una memorable recreación de la época,

En cuanto a los intérpretes, decir en primer lugar que son artistas británicos de primer orden, destacando las mujeres, con una Emma Thompson medida y a la vez brillante en el papel de la hermana razonable, y Kate Winslett que borda su papel de mujer romántica y vibrante (gran tándem con la Thompson).

Otros actores importantes aparecen con un nivel de excelencia la historia; así, Hugh Grant (que hace agua al lado de la Thompson que se lo merienda), Alan Rickman, Greg Wise, Emilie François y otros-as.

Sociológicamente pone en evidencia la vulgaridad y la ambición de la época napoleónica, en la cual la ilustración echa por tierra la fe medieval y la ciencia naciente inspirará una visión del mundo, donde se antepone la búsqueda de placeres terrenales.

Asimismo, plantea los inicios del Romanticismo del siglo XIX que se propuso revisar los progresos del siglo de las Luces, los efectos de la urbanización, la mecanización y racionalismo.

Pero psicológicamente, su principal mérito, la obra aborda la discordancia entre el buen sentido de Elinor y el carácter pasional de Marianne. A pesar de sus diferencias, ambas hermanas están muy unidas: la primera es la reflexión; la segunda es el impulso y la emoción. El juicio y la represión versus las emociones y la conmoción.

Nos muestra también un punto de vista punzante de la sociedad de su tiempo; especialmente de las complejas y sutiles normas que regulaban las relaciones entre hombres y mujeres: una trama de rígidas normas sociales en las cuales apenas se traslucían los sentimientos.

Filme refleja ese ambiente sofocante y riguroso en el que cada gesto contenido, cada fórmula de cortesía sirve para controlar tumultuosas pasiones. Curiosamente, Jean Austen, parece reivindicar el buen sentido y la sujeción, siendo que la historia podría interpretarse como una parodia del romanticismo y la sensibilidad, de moda a finales del siglo XVIII.

Es algo lenta, pero a la vez es igualmente maravillosa, un filme que sabe hablar del amor sin banalidad; más bien trata del tema con profundidad. Pues no es fácil hablar del amor guardando el debido respeto y, en este caso, fidelidad histórica.

La película cuenta de una época difícil de vivir para los espíritus libres o con ideas propias. Y para hablar de eso, hay que hacerlo bien, al modo en que lo hace la película de Lee: de una manera artística en el mejor sentido. Sin afectación, con un hilo argumental creíble, con una trama envolvente y que mantiene hasta el final la atención.

La película no ha perdido frescura y la honda huella del bien hacer de Lee y todo el cuadro de actores, con especial mención a Emma Thompson, como actriz y guionista.

En suma, un melodrama romántico cortado por el patrón británico en el que desfilan los coqueteos amorosos, la belleza del paisaje, la distinción, las desilusiones amorosas, pero también las alegrías, el gozo y la felicidad.

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Resulta difícil entender que alguien pueda poner en cuestión el reconocimiento a una persona que lleva tantos años dedicando su vida a intentar recuperar la de los demás.

Daniel conoce bien las sombras. Las conoció en primera persona, en aquellos años en los que la heroína destrozaba barrios, familias y generaciones enteras. Pero, a diferencia de quienes se limitan a señalar los errores ajenos desde la comodidad de una tribuna, decidió convertir su propia experiencia en una herramienta para ayudar a otros.

Ahí está La Muralla, donde tantos jóvenes encontraron algo más que un proyecto: encontraron una oportunidad para reconstruir sus vidas, adquirir hábitos, recuperar ilusiones y descubrir que no todo estaba perdido.

La recogida de jeringas, de los chutes, las campañas antidroga, el acompañamiento a las madres desesperadas y tantas otras cosas que ha hecho Daniel cuando no había Facebook ni diarios que hicieran correr tinta en su nombre.

Dicen que la esperanza es lo último que se pierde, y ahí está también su gran empeño, el Hogar de la Esperanza. Un proyecto levantado sobre un terreno que parecía condenado a ser un lugar de olvido, un antiguo espacio de cementerio que hoy simboliza precisamente lo contrario: la vida, las segundas oportunidades y la posibilidad de empezar de nuevo.

¡Qué bonita paradoja! Donde algunos solo veían un cementerio, Daniel ha querido construir esperanza.

Por eso cuesta comprender que Unión Portuense y Vox puedan oponerse a un reconocimiento de esta naturaleza. Y si el argumento que se esgrime tiene que ver con la presunción de inocencia o con cuestiones judiciales, convendría recordar algo elemental: los reconocimientos sociales no son certificados de santidad ni premios a una vida sin errores. Se conceden por trayectorias, aportaciones y méritos.



La presunción de inocencia es un derecho fundamental que nadie debería cuestionar. Pero tampoco debería convertirse en una excusa automática para ignorar una trayectoria social. Son planos distintos y mezclarlos exige, como mínimo, una explicación convincente.

Y aquí es donde la política debería hacerse algunas preguntas.

¿De verdad cuesta tanto separar las diferencias políticas de los méritos humanos? ¿De verdad una propuesta de reconocimiento a alguien que ha trabajado durante años con personas excluidas tiene que acabar convertida en otro episodio de confrontación partidista?

Algunos partidos llevan tanto tiempo reivindicando su arraigo en El Puerto, presumiendo de conocer sus barrios y de defender a sus vecinos, que quizá deberían recordar que el compromiso con un pueblo también se demuestra reconociendo a quienes trabajan por él cuando no hay cámaras, titulares ni rédito electoral.

Porque Daniel no ha necesitado un sillón municipal para hacer política de la buena: la que transforma realidades, la que acompaña al que se cae y la que no abandona a quien la sociedad ya ha dado por perdido.

La Medalla de Oro no significa que Daniel haya sido perfecto. Significa que su contribución a esta ciudad merece ser reconocida. Y eso no debería ser tan difícil de entender.

El Puerto tiene una oportunidad de reconocer a uno de los suyos. A un hombre que conoce sus calles, sus heridas y sus problemas, y que ha decidido dedicar buena parte de su vida a intentar solucionarlos.

Porque hay personas que se dedican a hablar de cambiar la sociedad y otras que, sencillamente, se ponen manos a la obra. Danielón pertenece a las segundas.

Y si finalmente la política decide darle la espalda a ese reconocimiento, que al menos no se confunda una cosa: las medallas las concede el Ayuntamiento, pero el respeto y el cariño de un pueblo no se votan en un pleno.

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“Nuestra harina El Vaporcito siempre apoya la cultura, el deporte y el arte”.

En esta sección ya he comentado sendas películas que abordan esta temática: Hotel Bombay (2018) y Kamikaze (2014).

Pero hay todo un listado de filmes sobre terrorismo islamista. Hoy me referiré a: 15:17 Tren a París (2018), de C. Eastwood; El asalto (2010), de J. Leclercq; y, Munich (2005), de S Spielbergh.

15:17 TREN A PARÍS (2018). Clint Eastwood cuenta una historia de héroes anónimos, o sea, un intento de reconstruir esa forma intuitiva y arriesgada de pasar a la acción, por la cual una persona “normal”, en un momento de gran peligro o dificultad, obra siguiendo un espíritu de enorme riesgo optando por la decisión de intervenir antes que dudar, e interviniendo con peligro para su vida, hasta el límite del sacrificio o de perder la propia vida.

Sin actores profesionales, salvo los genuinos protagonistas de la historia, y sin drama, pues la narración está tomada de unos apuntes accidentales de la vida de los protagonistas, resulta una película que tal vez pretende ser una “no-película”.

El nombre de está cinta refiere al atentando ocurrido el 21 de agosto de 2015, en un tren que viajaba de Amsterdam a París, en donde se encontraban los tres jóvenes norteamericanos, que lograron atajar a un terrorista dispuesto a realizar una matanza. Y redujeron a cero el número de muertos.

El foco de la historia está puesto en la amistad de estos tres jóvenes, con adolescencias conflictivas. Diez años antes Spencer Stone, Alek Skarlatos y Anthony Sadler se hicieron amigos en un colegio católico del barrio. Se distanciaron, pero ni el paso del tiempo, ni la distancia, quebrantó esa unión.

Su director Clint Eastwood se asoma a una nada de dramatismo, con apenas un guion reseñable (Dorothy Blyskal), adaptación de la obra homónima también de los protagonistas, con alguna ayudita: Sadler, Skarlatos, Stone y Jeffrey E. Stern.

Con la edad, nuestro buen Clint decidió ser minimalista y hacer un cine sencillo, desnudo de artificio salvo la propia realidad. La película lo que hace es enfocar la muy efectiva y potente escena final. El resto es un rellenito donde hay de todo: amistad, Dios, tenacidad, etc. Con ello, Eastwood vende el cuento de la superioridad y la capacidad de reacción americana.

El reparto son Stone, Sadler y Skarlatos que por decirlo sencillamente, no interpretan. Y como tampoco hay mucho argumento, la cosa queda en una especie de experimento que podemos denominar “antidocudrama”.

Nos quedamos, eso sí, con una acción meritoria y heroica en un tren. Son diez minutos de acción frenética donde entre los tres jóvenes y algún otro viajero consiguen desarmar al terrorista Ayoub El Khazzani, impidiendo perpetrar el atentado con su kalashnikov.

Está recreada con crudeza e intensidad. Lo que pasa es que el resto de la cinta, la vida de los jóvenes, el tour europeo, sus fiestas nocturnas, etc., es decir más de setenta minutos de metraje resultan profundamente tediosos por ser escenas banales que carecen de complejidad psicológica y suspense. Pues bien, al igual que “una golondrina no hace verano”, una sola escena no hace una película.

EL ASALTO (2010). La película trata el secuestro en 1994 en Argel, a manos de cuatro terroristas islámicos del GIA, de un Airbus A300 de Air France, con 227 pasajeros. Se cuentan los días previos al secuestro desde tres puntos de vista: las unidades del GIGN (Grupo de Intervención de la Gendarmería Nacional), los terroristas y los políticos.

Finalmente se entra en el 24 de diciembre, cuando los terroristas yihadistas toman el Airbus. Gracias al abordaje efectivo de las fuerzas especiales francesas, el incidente tuvo su punto y final en el aeropuerto de Marignane, cerca de Marsella. El asalto fue prácticamente televisado en directo.

Buena película dirigida con profesionalidad por Julien Leclercq, con guion del propio Leclercq y Simon Moutairou basado en los hechos reales escritos por Roland Môntins. Excelente música de Jean-Jacques Hert, que moviliza emocionalmente la dramática historia del secuestro; y una fotografía de Thierry Pouget en claroscuros permanentes, blanco y negro, y algo de azul jugando con colores.

Las interpretaciones cumplen un papel accesorio en una trama que es contada al modo de un documental. Sin embargo, hay papeles muy profesionales interpretados por Vincent Elvaz, Grégori Derangère, Mèlanie Bernier (que brilla con luz propia) o Aymen Saídi.

Se aproxima mucho al horror de un secuestro, y evidencia el fanatismo de los musulmanes radicales, que no paran de rezar exclamando constantemente: “Alá es grande”. Y la determinación de esos fanáticos para morir abatiendo al maligno Satán occidental o “infiel”.

Este extremo está muy bien aclarado en la cinta, dado que no creo que haya otra religión hoy día que dé lugar a fanáticos de esta clase, tan enfervorizados y tan creídos de que matando por Alá irán directos al cielo.

Porque, según la psiquiatra siria Wafa Sultán, “el problema es un Islam profundamente arraigado en sus enseñanzas”. El Islam puede llegar a ser, amén de una religión, “una ideología política que predica la violencia y unas máximas se aplican por la fuerza”… De esto habla el filme, y ojalá sirva de lección contra los delirios místicos.

En otros aspectos, el filme deja que desear. Sobre todo por la puntual realización que de tan milimetrada en todo, resta emoción al relato, al desenlace y a los acontecimientos en sí mismos.

El asalto al avión está bien y mantiene algo de tensión durante quince minutos, pero sucede cuando la película toca a su fin. Si Leclercq le hubiera pisado más a fondo en su realización y hubiera captado realmente el drama, habrían saltado chispas de angustia e inquietud.

Pero no hay muchos sobresaltos, ni siquiera cuando las fuerzas especiales de la Gendarmería Nacional francesa asaltan el avión. En lo que toca a montar escenas de tiros o asaltos, nada que ver con lo que se hace hoy en el cine americano.

Creo que quiere ser también una cinta para mayor gloria del chauvinismo francés. Aunque incluso en esto, hay instituciones como la política que sale muy mal parada.

La policía, más o menos bien, salvo sus mandos de alto nivel. Entonces, yo diría que el engreimiento francés triunfa sólo a medias. Ni siquiera fueron justos con los policías que abortaron el asalto.

MUNICH (2005). Comienza esta obra de Steven Spielberg con una escalofriante recreación del secuestro y muerte de atletas israelíes en los Juegos Olímpicos de Múnich de 1972, a manos de terroristas palestinos. A continuación, muestra a la primera ministra Golda Meir (Lynn Cohen) con su gabinete, declarando con firmeza: “Olvídense de la paz por ahora”.

A continuación, muestra la formación de un escuadrón secreto israelí de venganza para matar a los responsables.

La película está basada en un libro de George Jonas, un combatiente húngaro por la libertad de 1956, ahora escritor político conservador en Toronto. Parece, así, que, quienes creen saberlo todo, quienes lo saben todo, suelen ser las personas equivocadas para opinar sobre una película basada en hechos reales.

“Múnich” combina elementos de thriller, drama policial y radicalismo palestino. Eric Ban interpreta a Avner, un antiguo guardaespaldas de Meir, que se convierte en líder del escuadrón secreto de venganza. Él y sus hombres reciben pagos en negro, carecen de existencia oficial y son manejados por un intermediario llamado Ephraim (Geoffrey Rush).

A Avner le asignan solo cuatro compañeros de equipo: Robert (Mathieu Kassovitz), un fabricante de juguetes experto en desactivar bombas, que ahora debe construirlas; Carl (Ciaran Hinds), que elimina las pruebas tras cada acción; Steve (Daniel Craig), el pistolero; y Hans (Hanns Zischler), falsificador de cartas y documentos. Viajan con nombres falsos y pasaportes falsos, y descubren el paradero de sus objetivos con dinero a un misterioso francés llamado Louis (Mathieu Amalric).

Finalmente, Avner conoce al “Papá” de Louis (Michael Lonsdale), quien lleva años vendiendo información. Este luchó en la Resistencia francesa y ahora está desilusionado.

Los momentos más emocionantes de la película se encuentran en los detalles de los asesinatos. Se colocan bombas de plástico, se activan trampas explosivas, y hay un instante de gran suspense cuando el equipo espera a que una niña salga para la escuela antes de llamar al teléfono de su padre; hay sorpresa e intriga.

Los miembros del equipo se desplazan entre capitales de todo el mundo. A medida que avanza la operación, Avner sufre un gran desgaste psicológico: traslada a su familia a Brooklyn, se vuelve paranoico y cuestiona la ética de la operación que dirige.

Spielberg plantea claramente si Israel ha arriesgado más de lo que ha ganado. El estancamiento en Oriente Medio continuará indefinidamente, argumenta su película, a menos que hombres valientes de ambos bandos decidan romper con el patrón del pasado.

Esta cinta de Spielberg llegó oportunamente, dadas estas inesperadas circunstancias políticas que él no pudo prever (Sharon abandonó su partido Likud el 21 de noviembre de 2005, y Peres dejó su Partido Laborista una semana después).

Spielberg utiliza la eficaz estructura del thriller para argumentar que los ciclos de represalias mutuas han provocado una violencia interminable en Oriente Medio, Irlanda, India y Pakistán y otros muchos países.

En momentos cruciales de la historia de una nación, sus mejores amigos pueden ser sus peores críticos. Spielberg no tenía por qué hacer «Múnich», pero lo necesitaba. Con esta película abrió un diálogo más amplio, transformando lo indiscutible en debatible.

Como thriller, es eficaz, absorbente y efectivo. Como argumento ético, resulta inquietante. Y sus preguntas no solo conciernen a Israel, sino a cualquier nación que crea que debe comprometer sus valores para defenderlos.

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Ello me lleva a un estado más allá de la furia vomitiva. Es como esa resaca que queda después de un mal día y que te deja sin ganas de nada, con la cabeza en un estado tal que te aburres de tratar de comprender, enfadarte o convencer. Y es que, llegado a este punto, casi todo carece de lógica.

Por ser más cercano al tema, me parece ilógico llamar asesino a alguien ante un accidente. Nadie quiere una desgracia, cargar sobre su conciencia una sola muerte o que las cosas se salgan de madre. Aun así, igual de ilógico me parece cargar sobre la conciencia de un pobre trabajador toda la culpa de unos hechos, algo que resulta todavía más difícil de entender dados los sistemas automáticos de seguridad, las supuestas revisiones y la ingeniería informática que tiene hoy hasta un coche que no sea de última generación.



Pero, claro, es igual de ilógico que quien dirige todo el cotarro se encoja de hombros y culpe, cual párvulo, al compañero de banca. Y no una vez, sino hasta dos veces en asuntos graves, porque del día a día ni hablamos.

Sin embargo, esto apenas me sorprende, porque la lógica de esta nueva forma de hacer gobierno pasa por pactar con terroristas, algo que podría entenderse para algunos votantes, con la misma sonrisa y aprobación con la que aceptan pactos con los medio jesuitas renegados de extrema derecha del PNV o con los burgueses capitalistas de Junts.

Todo este sinsentido, inexplicable, encuentra apoyo en personas de las que no dudo su buena voluntad y que defienden que se acuse a un pobre trabajador, posiblemente de izquierdas, sindicalista y padre de familia… ¿Y para qué? Para escuchar que un supuesto demócrata diga que gobernará de una forma o de otra.

Tengo no solo buenos amigos socialistas, y no únicamente de base, sino incluso familia, de los cuales sentiría vergüenza si votaran al PP por incongruencia y deslealtad con aquello en lo que creen. Pero, llegados a este punto, quizás lo más sensato es que votaran en blanco, porque seguir confiando en personas que ni creen en la democracia, ni en los ideales, ni en la libertad, y mucho menos en la decencia o el honor, es igual o más vergonzoso que ver a un socialista votando al PP.

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“Nuestra harina El Vaporcito siempre apoya la cultura, el deporte y el arte”.

Hoy traigo dos comedias francesas en cine de estreno, mientras en la primera en la trama vemos cómo se perturba la relación familiar, en la segunda, es la baja talla del filme lo que llama la atención.

Estas obras son: Mis queridísimos padres (2026), de E. Patron; y, Atrapa un millón (2026), de G. Vigneron.

MIS QUERIDÍSIMOS PADRES (2026). Película que se disfruta si no se espera de ella una comedia convencional, ni una peli humorística a palo seco, sino más bien especie de drama familiar que tiene en sus briznas de comicidad una manera de mecanismo de defensa y de expresión.

Alice y Vincent Gauthier convocan urgentemente a sus tres hijos a su casa campestre. Estos llegan aterrados temiendo lo peor, pues la muerte y la enfermedad están omnipresentes en sus mentes por sus padres mayores.

Sin embargo, la noticia, tras un preámbulo de incertidumbre y angustia por parte de los hijos es que a sus padres les ha tocado el premio gordo de la lotería. El problema y la cuestión central es que no piensan repartir ni un euro de la fortuna.

Pero para peor, la cantidad de dinero ganada se la van a gastar en un viaje a Camboya y en la construcción de un orfanato para niños pobres; este plan se abre a preguntas, explicaciones a medias, reproches y la codicia de los vástagos.

Entre verdades ocultas, palabras no dichas y celos, la angustia de unos y otros, el repaso a sus vidas y más, la familia acaba revoltosa y puesta patas arriba.

La cinta es adaptación de la obra teatral escrita por los hermanos franceses Emmanuel y Armelle Patron, que ha sido llevada a la pantalla por Emmanuel, con guion de ambos Patron. La obra, más que una comedia amable, tiene un tono oscuro que, por momentos, bordea la tragedia.

Digamos que el humor hace las veces y funciona como una herramienta “colchón” para abordar cuestiones poco complacientes. Tal la interrogante sobre qué ocurre cuando una familia en apariencia normal descubre que la ambición y la pasta pueden modificar pautas y reglas de convivencia comúnmente aceptadas.

El premio de lotería no es tanto el centro de la historia como el detonante que permite poner al descubierto las tensiones, frustraciones y rencores que permanecían ocultos bajo una apariencia de normalidad.

De modo que a lo largo del metraje presenciamos la transformación de esa familia desde la mirada de unos padres que parecen no comprender del todo qué está ocurriendo.

André Dussollier y Miou-Miou interpretan a un matrimonio encantador, ingenuo y estoico que contempla cómo sus hijos van trasluciendo y haciendo brotar una creciente mala baba y una discordia con saña, que pone en solfa los vínculos familiares.

Al principio, lo que parece una sucesión de bronquitas y situaciones cómicas va adquiriendo un tono cada vez más incómodo y la cosa va subiendo de decibelios agresivos. El causante para que afloren las miserias de los hijos, es el vil metal. Los jóvenes, en una escalada tan real como grotesca, parecen empeñados en descuartizar su propia familia.

Es desde una obra muy francesa, lo cual no quiere decir que en España no ocurra lo mismo. Es el estilo y la manera en que se cuenta la fatalidad del caso, lo que podría hacer que no encaje bien con nuestro humor y nuestras maneras más quevedescas y quijotescas de entender la vida.

La manera de entender las relaciones familiares y los códigos del humor, diálogos y la ligereza y amargura soterradas, no llegan al directísimo estilo hispano, menos cínico y más “directo al corazón”, sin tanto merodeo perversillo.

La larga surrealista secuencia de la escopeta, pongamos por caso, participa de cierto tono absurdo y turbador que recorre la película, más próximo al surrealismo, alejado del orden convenido para una comedia al uso.

Pero es al final cuando aparece el vuelco plan molinete. Aquí sí sorprende el filme y recobra el componente burlón, que proporciona una nueva lectura a lo que se ha visto con anterioridad. El desenlace consigue cerrar el entramado satisfactoriamente, sin renunciar a una buena dosis de humor negro, drama familiar e incluso crueldad y fatalidad.

Con un guion limitado, es el reparto el que eleva el conjunto y mantiene a flote esta historia familiar. Además de los protagonistas cuenta con Arnaud Ducret, Thomas Slivéres y Pauline Clément como los tres hijos en liza.

El reparto ejecuta la obra con solvencia, especialmente los veteranos Dussollier y Miou-Miou, magníficos como matrimonio “progre” que contempla con perplejidad, cómo el dinero puede torpedear la familia.

Tienen especial gracia las apariciones y desapariciones de la moral, el fariseísmo ideológico y las bajezas por unos cuantos euros de más.

Además, ni los Patron ni su película dan la carga con lo íntegro y lo decente, lo cual permite al espectador, hartito de monsergas de vanguardia social, seguir con una sonrisa complaciente todo ese fregado de conciencias.

Película que se disfruta si nos preparamos para visionar lo psicológico y lo social, de un drama familiar cuyo humor se fundamenta en los matices y claroscuros propio del espíritu humano: malicia e hipocresía incluidas.

Revista ENCADENADOS

ATRAPA UN MILLÓN (2026). Stam, sometido a una gran presión por el ambicioso y serio director de operaciones de una empresa de grandes construcciones, pierde el norte y entra en pánico cuando se entera de que será despedido injustamente.

Tal es así que, de manera impulsiva, decide robar un millón de euros de la caja fuerte de la empresa. Tira la llave y huye. Es dinero negro fruto de las “mordidas”.

Con los billetes se dirige al aeropuerto con su insoportable novia Marine. Pero de camino, en una llamada le dicen que va a conseguir el ascenso soñado. Tiene una noche para enmendar su error y devolver el millón a la caja fuerte. Para ello, recurre a Hippolyte, un cerrajero de pocos escrúpulos. Las cosas se complicarán.

Nueva cinta de Grégoire Vigneron, donde el ritmo narrativo se apoya en situaciones límite y personajes empujados a actuar por impulsos contradictorios. Pero esta mezcla no da para mucho.

Quien detona o empuja la trama es Stan, un empleado convencido de que su carrera profesional se ha estancado de forma irreversible. Tiene el recelo de haber sido descartado para promocionar y actúa fruto de una caída emocional.

Pero como he apuntado, una llamada inesperada lo cambia todo. A partir de ese momento, la película reformula su objetivo. Stan ya no necesita escapar, sino deshacer el error. Dispone de unas horas para devolver el maletín maléfico. El tiempo será el principal enemigo.

Stan recurre a Hippolyte, un cerrajero tan eficaz como poco preocupado por la ética profesional. Un señor con mucho mundo y experiencia, de abiertas luces como pillo.

La incorporación de este personaje introduce una nueva capa de enredos, encuentros incómodos y situaciones al límite, donde la improvisación marca el tono del relato: errores en cascada y soluciones provisionales que rara vez resuelven el problema.

En el reparto encontramos nombres habituales del cine francés, sobre todo de comedias, empezando por el veterano Christian Clavier, a quien sigue Rayane Bensetti, y entre ambos, se ofrece una mezcolanza de humor, crítica a los abusos de poder en el trabajo, robos y amoríos.

Y a un despropósito le sigue otro, con un humor chillón por momentos, con cierto mal gusto, lo cual hace a que el espectador, resignado, quiera que aquello acabe cuanto antes.

A Christian Clavier lo ponemos a la encabeza del elenco, junto a Rayane Bensetti y Gilles Cohen, acompañados por Claire Chust y Julie Ferrier, entre otros. Cada uno aporta matices distintos a una historia coral caótica que se apoya tanto en los diálogos como en la sucesión de situaciones disparatadas.

Como dato de interés, Clavier se encarga de dos papeles reconocibles: el de cerrajero caradura y el de su madre desmemoriada, los dos roles con más vis cómica. Y es así como se monta esta buddy movie o peli de amiguetes que funciona regular.

Ambos protagonistas no pueden ser más diferentes y eso marca uno de los pequeños tantos definitivos en esta historia, apoyándose en el carisma de estos dos antitéticos personajes condenados a colaborar.

Lo que ocurre es que la historia está tan mal escrita, que reparto poco puede hacer por sacar a flote la obrita. Filme supuestamente de entretenimiento pasajero que ofrece una evasión poco exigente con el espectador.

Me sabe mal hablar así, pero esta película es un auténtico sancocho que me pedía huir del cine de inmediato, cosa que nunca hago por si acaso… Los diálogos resultan por momentos vergonzantes e indefendibles.

Excepto la fotografía de Léo Lefèvre, todo en la película es un naufragio y debería suponer un freno en la producción de este tipo de películas. Porque para productos así, ninguno.

La comedia francesa ha tocado fondo con este bodrio inconmensurable.

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“Nuestra harina El Vaporcito siempre apoya la cultura, el deporte y el arte”.

Oriente y, concretamente Japón, siempre me han parecido contextos mágicos y súper extraordinarios para historias de amor igualmente sorprendentes y maravillosas.

El cine japonés da cuenta de ello con directores como Akiro Kurosawa (Vivir, 1952 o Ran, 1985) o Yasujir? Ozu (Cuentos de Tokyo, 1953; Primavera tardía, 1949), cineastas que parecen pertenecer a otra galaxia y que nos hablan de un Japón rico e inspirador.

Hoy me refiero a Sinodie en Japón (2023), de E. Girard; y, Lost in Traslation (2003), de S. Coppola.

SIDONIE EN JAPÓN (2023). Conocemos a la novelista Sidonie Perceval (Huppert) saliendo de su apartamento en París y llegando al aeropuerto Charles de Gaulle para volar a Japón. Va con retraso y en lo profundo de su ser espera que el avión ya haya despegado. Pero se ha retrasado tres horas, lo que obliga a Sidonie a emprender un viaje que no desea, por razones que iremos descubriendo a lo largo del metraje.

La escena del aeropuerto y otros momentos iniciales de la modesta historia de Girard están marcados por toques de comedia sutil y peculiar, especialmente cuando Sidonie llega a Osaka y se convierte en una extraña en tierra extraña.

A Sidonie le empiezan a ocurrir cosas raras mientras sufre de jet lag en su hotel, lo cual puede parecer un caso de comedia original. Pero durante una entrevista inicial, explica cómo escribió su libro —«Autoficción»— después de que sus padres y su hermano murieran en un accidente de coche. «Escribir es lo que haces cuando no te queda nada», le dice a un periodista con la indiferencia y la seriedad impávida propia de Huppert.

Girard-Huppert: un dúo de íntimos secretos

«Las personas como nosotros compartimos secretos», «los mundos visibles e invisibles coexisten». La cineasta francesa Élise Girard es una directora de voz característica, con un estilo muy personal, a un ritmo pausado, que contrasta con el ímpetu y el vértigo actual.

Su gran originalidad encuentra el medio de expresión perfecto en esta su nueva obra, y al igual que las palabras "nada" y "silencio" inscritas en la tumba del escritor Jun'ichir? Tanizaki, que es visitada por la protagonista de la película, la esencia del trabajo de Girard surge de su minimalismo sofisticado, que es muy elocuente y brinda a la Huppert y a Tsuyoshi Ihara, interpretar sendos papeles maravillosos.

"Todo es extraño, me siento cambiada". Sidonie, una famosa escritora francesa (que ya no escribe) es invitada al país por su editor local, Kenzo Mizoguchi (no tiene que ver con el cineasta homónimo), se encuentra en Japón por primera vez con motivo de la reedición de su primer libro (“L´ombre portée”).

Ha llegado sumida en una profunda tristeza por la muerte accidental de su marido años atrás. De un hotel a otro y tras innumerables viajes (en coche, tren y ferry), pasando por reuniones con la prensa y firmas de libros, incluidas visitas turísticas a Kioto y sus alrededores.

Sidonie y Kenzo (Tsuyoshi Ihara) se acercan poco a poco, superando gradualmente la brecha causada por las considerables diferencias culturales (hay algunas escenas cómicas) y adentrándose en el terreno de los secretos íntimos y los sentimientos nacientes.

Pero «en Japón, los fantasmas viven por todas partes, a nuestro alrededor», y el difunto marido de Sidonie, el travieso Antoine (August Diehl), reaparece una y otra vez.

Seis días en el País del Sol Naciente

Con gran serenidad, la película avanza a lo largo de seis días, "como una historia que se reinicia continuamente", donde todo resulta totalmente reconocible (la soledad, el miedo a lo desconocido, las emociones, el proceso creativo, etc.), pero donde "todo funciona de manera diferente".

Se puede decir igual del estilo cinematográfico de Élise Girard, que a veces puede evocar un déjà vu, la ilusión de la “ya visto”, pero que en realidad funciona con un trampantojo.

Se trata de un enfoque que ostenta un encanto innegable, reforzado por una aguda percepción de los bellos escenarios (brillante fotografía de Céline Bozon) y un juego discreto con los clichés (una sublime decoración turística, las distintas etapas del amor naciente con el clímax de una sorprendente escena de amor carnal ilustrada con fotografías).

Pero que también muestra a la directora profundizando, sin artificios, en los temas simples y profundos de la vida: la muerte, el duelo y el renacimiento.

Uno de sus puntos fuertes es una forma esteticista pero no cursi, como la Girard filma a Sidonie en los lugares que le va descubriendo su editor. También su reflexión sobre la relación entre vida y la literatura, y su manera lúdica de hablar de la memoria romántica de la protagonista en clave fantasmal, con unos apuntes espectrales muy divertidos.

Una mujer mayor que encuentra un nuevo propósito vital

Estrenada en la sección Venice Days del Lido, la tercera película de Girard se inspira en el maestro japonés Yasujir? Ozu, por lo que quizás resulte demasiado sobria y minimalista para convertirse en un gran éxito del cine de autor.

Pero es también una mirada inteligente y reflexiva a una mujer que encuentra un nuevo propósito en la vida a una edad avanzada, lo que podría atraer especialmente al público mayor.

En muchas películas de autor, la estética introspectiva suele ser sinónimo de una visión sombría del mundo (como en Michael Haneke), pero lo gratificante de esta cinta es cómo termina llevándonos en una dirección diferente, más esperanzadora, hacia el amor.

El fantasma no atormenta al personaje de Huppert tanto como la invita a superar sus muchos demonios y, tal vez, a escribir otro libro. Sidonie puede sentirse como pez fuera del agua en un país extranjero, pero al fin puede encontrarse a sí misma.

LOST IN TRANSLATION (2003). Un actor norteamericano decadente y en horas bajas, Bob Harris (Bill Murray), llega a Tokyo para hacer un anuncio de whisky japonés. El personaje atraviesa claramente un mal momento y no para de beber en toda la película a la vez que no duerme. En el mismo Hotel donde se aloja, conoce a una joven casada con un fotógrafo, Charlotte (Scarlett Johansson).

Ella se aburre mortalmente mientras su marido trabaja. En una ciudad de mucho ruido y agitación (imágenes, sonidos, voces, autos, etc.), Bob y Charlotte comparten sus vidas vacías y sin sentido, y de esta forma se van haciendo amigos y saliendo de lugar en lugar, de fiesta en fiesta. Pero a la vez, empiezan a preguntarse internamente si esa amistad podría llegar a más.

Es una película que parece pura poesía. Una película sin sobresaltos, sin sexo ni disparos, un filme intimista con la excelencia de la directora Sofía Coppola siguiendo un guion muy original y arriesgado de su misma firma (Oscar en 2003).

Se trata de una película sencilla y a la vez profunda, muy humana, muy sensible, película deliciosa donde las haya, una cinta que vivifica, que brilla, cargada de sarcasmo y de ternura. No es un filme al uso, de hecho, la Coppola bien puede enorgullecerse de ser una directora diferente y muy atenta al verso de sus fotogramas.

Hay que decir en este punto que esta película ha obtenido premios diversos: Premio Cesar mejor película extranjera, 2004; Globo de Oro 2003 mejor comedia; 3 premios BAFTA, 2003: Mejor actor (Murray), actriz (Johansson) y montaje; o Premio Especial National Board of Review a Sofia Coppola. O sea, no es cualquier cualquier cosa.

Pero hay mucho más, como la hermosa fotografía de Lance Acord, la música de Brian Reitzell y Kevin Shields. PERO si yo algo destaco de esta obra son, además de la dirección y el guion, sus interpretaciones.

Bill Murray está inconmensurable, tanto que parece que sólo pusiera su cara pues es como si no interpretara; con este trabajo Murray hace “fácil” lo que no lo es, nunca estuvo mejor este gran actor. Y ni que decir tiene la Johansson que está deliciosa, suave, brillante: no va más.

Al principio la peli parece que va a resultar aburrida, pero no tardan en dispararse los fusibles de la sensibilidad, y entonces te vas dando cuenta de que la historia te lleva por derroteros intrincados.

Dos personajes fuera de sus países, de su cultura, de sus vidas y que, no sé si por ello o a pesar de ello, establecen un lenguaje propio, una sintonía sin exabruptos, pero muy intensa. Frescura, es lo que caracteriza esta cinta, aire renovado que brota en cada escena.

Con algo de suerte, muchas personas viven la magia de un roce, una caricia, una sonrisa furtiva (como la que la Johansson a Murray en un Pub), alguien que te espera en silencio, una lucecita a lo lejos de un paisaje oscuro. Pues bien, Coppola sabe llevar a la imagen lo impalpable, lo impronunciable, lo inasible.

Uno puede agotar los calificativos con este filme natural y sencillo y complejo a la vez, serio e irónico. Pero el caso es que más que seguir hablando o escribiendo yo, a quien no la haya visto, se la recomiendo; es de esas pelis que te hacen remontar el corazón como el águila y te animan a vivir la vida de otra manera.

Y al final, esa extraña pero previsible despedida, temblorosa como una hoja al viento, miradas sin consuelo y la imagen de un auto que se aleja de la vida mientras suena el “Just like honey”, de The Jesus and Mary Chain.

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Actualmente, el mundo casi podría dividirse entre culturas pasivas y activas, y yo, al menos, estoy contento con mi forma de vivir, quizás simplemente porque es la que conozco. Sin embargo, lo ocurrido en Francia o en Ceuta me hace preguntarme qué está ocurriendo.

Si nos fijamos en el sentir de una parte de la calle, existe la percepción de que el islamismo ha declarado la guerra al mundo occidental, apelando para ello a una guerra santa, religiosa, autoritaria y basada en la sumisión. Y, a juicio de quien escribe, a ese carro se ha sumado buena parte de la izquierda mundial, algo que puede resultar extraño y curioso, pero que considero real. La lucha de clases encuentra así en el islamismo a un extraño aliado.

Pero ¿cómo se llega a eso? Resulta difícil de comprender, porque hablamos de una ideología religiosa que, en sus interpretaciones más radicales, no admite determinadas libertades, especialmente la religiosa, que impone una moral propia y que puede llegar a reclamar la destrucción de quien no se someta.



Una visión que considera a la mujer un ser inferior, sometida y obediente; o que entiende la homosexualidad como un defecto o una tara merecedora incluso de la muerte en determinados regímenes y corrientes extremistas. Y, sin embargo, ha conseguido sumar a su causa a personas que, bajo esos mismos postulados, serían rechazadas o perseguidas.

Aún más llamativo me resulta que nuestro Gobierno parezca encontrarse más cómodo con determinados regímenes monárquicos autoritarios extranjeros, mientras mantiene enfrentamientos o diferencias con instituciones propias de nuestro país.

Como decía, lo ocurrido en Europa no es nuevo, pues no es la primera vez que movimientos islamistas han aspirado a extender su influencia sobre el continente. La diferencia, desde mi punto de vista, es que ahora ese proceso se estaría produciendo desde dentro y con la aquiescencia de europeos descontentos con su propio modelo de sociedad. Y, si algún día alcanzaran sus objetivos, podrían dirigir posteriormente su mirada hacia otros lugares.

Quizás todo esto pueda sonar a chaladura, pero, sinceramente, en un mundo que parece dividirse cada vez más entre quienes producen y quienes viven de lo que producen otros, considero que determinados sectores contemplan el islamismo con una simpatía difícil de explicar.

Son los mismos que se colocan el pañuelo palestino al cuello y, bandera en mano, defienden que nuestros recursos se destinen a personas que, en algunos casos, ni comparten nuestra forma de vida, ni muestran intención de integrarse, ni tampoco de marcharse.

El gran problema está en que puede llegar un día en el que no quede nadie para producir.

Y entonces…

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“Nuestra harina El Vaporcito siempre apoya la cultura, el deporte y el arte”.

El cine que aborda la homosexualidad, masculina y femenina, en contextos musulmanes es escaso debido a la fuerte censura y los tabúes sociales. Las principales películas que exploran esta temática incluyen historias realizadas por lo común con limitaciones y censuras.

Hoy hablaré de: Tres mujeres (2026), de L. Bouzid; La hija pequeña (2025), de H. Herzi; A Jihad for Love (2007), de P. Sharma; y, Amal (2025), de J. Rhalib.

TRES MUJERES (2026). Dirigida por la cineasta franco-tunecina Leyla Bouzid, aborda de forma directa los secretos familiares y el amor lésbico en Túnez, retratando las dificultades que enfrentan las mujeres en la sociedad árabe actual para vivir libremente su orientación sexual.

La película de Bouzid aborda la homosexualidad, prohibida por ley en Túnez y castigada con hasta tres años de prisión. Organizaciones como Amnistía Internacional han denunciado un repunte de las detenciones, con prácticas tan vejatorias como los “exámenes anales forzados”.

Se da también un aumento de las agresiones a activistas. Lilia (interpretada por Eya Bouteraa) tiene una vida muy distinta en Francia a la que puede mostrar en Túnez, algo que condiciona su relación con todos los que la rodean en esa casa.

Un mensaje es que las familias se construyen sobre lo que se dice y también sobre lo que todos prefieren no decir. Esto es algo que Lilia, la protagonista, descubre cuando regresa a su Túnez natal para el funeral de su tío Daly, encontrado muerto y medio desnudo en una calle.

Lilia irá descubriendo más detalles acerca de la vida y la “inconfesable” muerte de su tío (que era gay). Una situación que la llevará a tener que posicionarse respecto a su propia vida, para finalmente decidir qué quiere decir y qué no a su propia familia.

A partir de este suceso, la cineasta franco-tunecina construye una historia donde se abordan los secretos de las tres generaciones de una misma familia. Unos secretos tan poderosos que incluso atentan a la identidad de sus miembros.

Las diferencias entre Lilia, su madre (Hiam Abbas) y su abuela (Salma Baccar) acaban provocando la pérdida de control. Incluso ponen en juego la realidad de cada uno de los personajes.

Uno de esos momentos es cuando la joven les presenta a todos su novia (Marion Barbeau). “Ningún filme ha explorado todavía la homosexualidad en el territorio árabe y musulmán. No tiene representación”, denuncia Bouzid. El amor entre dos mujeres “ni siquiera se considera algo serio”.

Por su inevitable componente biográfico, la mirada de Lilia bebe mucho de la propia cineasta, que al igual que su protagonista también se marchó a Francia para estudiar y ve su Túnez natal desde lejos.

LA HIJA PEQUEÑA (2025). Lo peor que le puede pasar a una persona queer es que todos a su alrededor le digan que es gay antes de que ella misma lo haya aceptado. Especialmente durante la adolescencia, cuando apenas se tiene una idea clara de quién se es.

La cineasta franco-tunecina-argelina Hafsia Herzi, actriz convertida en directora, dirige su cuarto largometraje y desvela este fenómeno, narrado con gran emotividad y ritmo pausado.

La trama sigue a una futbolista musulmana, Fátima (sorprende debut de Nadia Melliti) a lo largo de cinco estaciones (desde la primavera de un año hasta la del año siguiente) mientras experimenta el amor lésbico por primera vez, y cómo, la sexualidad que poco a poco llega a afirmar y comprender choca con el dogma religioso del islam en el que fue educada.

El romance turbulento es con la estudiante de medicina Ji-Na (magnífica Park Ji-min), su primera pareja femenina. Es una relación que, al no prever las consecuencias ni las neurosis de la otra, no termina bien; aunque luego se corrija el rumbo de ese amor truncado.

Titulada en francés “La Petite Dernière” (La Pequeña Dernière), hace referencia a que Fátima es la menor y la última en nacer de entre sus hermanos. La película de Herzi comienza con Fátima lavando sus brazos morenos y musculosos y preparándose para la oración de las 5 de la mañana en el Islam, con el hiyab completo.

Es una actividad que ha convertido en algo privado, ya que los demás aspectos de la vida diaria de Fátima se asemejan a cualquier vida occidental. A pesar de comenzar con la ablución, la chica no es dogmática.

A sus diecisiete años, Fátima cursa su último año de bachillerato, preparándose para sus estudios universitarios en París. Participa en charlas escolares, fuma con sus compañeros y habla de sexo en el instituto, donde se lee el clásico de Oscar Wilde: "El retrato de Dorian Gray".

Fátima lleva una vida occidentalizada, incluso con su bulliciosa familia en casa, que ha adoptado las costumbres francesas sin perder las raíces de su herencia como inmigrantes argelinos.

Es refrescante que la familia de Fátima no sea especialmente estricta, aunque en una conversación al final de la película, la madre le previene de peligros sexuales en la calle. Pero la chica responde: "Yo les pegaré ", evidenciando una voluntad y una presencia física imponentes; incluso, parece delatar a algunos compañeros su lesbianismo.

Fatima crea un vínculo con una figura maternal, quien le habla sobre el sexo anal y abre la puerta a las posibilidades del mundo queer que la espera. Durante el verano, se siente atraída por Ji-Na, estudiante de medicina coreano-francesa, en un encuentro preparatorio.

Tras una noche aparentemente encantadora juntas (escenas con sonidos y sensaciones de los primeros besos lésbicos), Fatima sale de la habitación de Ji-Na y la encuentra confusa. Hay marihuana y benzodiacepinas, y Ji-Na le dice a Fatima que se vaya e insinúa alguna forma de trastorno mental que había escondido hasta entonces.

Adaptando la novela auto ficticia «The Last One», de Fatima Daas, la película de Herzi se esfuerza por demostrar que el romance de Fatima con Ji-Na fue una aventura apasionada e inolvidable, aunque con un imprevisto final inicial.

Cuando Ji-Na reaparece posteriormente, suplicando la reconciliación y pidiendo volver, la cosa de nuevo se hace intensa. Es una vuelta al amor lésbico intenso en un parque público.

Hay una secuencia conmovedora que muestra a Fátima, en plena adolescencia universitaria, en la oficina de un imán, al cual cuenta su problemática. El imán le recuerda que la homosexualidad es un pecado en el islam. Aunque quizás el sexo lésbico sea menos pecaminoso, ya que se trata solo de caricias y no de penetración, como en los hombres. Curioso.

La actuación reveladora de Melliti es sorprendentemente contenida y meritoria. La cámara de Jérémie Attard se detiene en el rostro de la actriz en momentos silenciosos donde se desliza entre lágrimas ante la amenaza imparable de que su propia represión (religiosa, autoimpuesta o de otro tipo) se desate.

La división de la película en cinco capítulos, el último, ambientado en otra primavera, es impactante y efectivo, con una narrativa de la transición a la adultez, que queda subrayada.

Pero sin duda, Melliti y Herzi logran una alquimia singular entre actriz y directora al contar la historia de otra persona, una historia que, en cierto modo, también refleja la suya propia.

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A JIHAD FOR LOVE (2007). Documental, dirigido por Parvez Sharma, es un referente histórico al explorar la compleja intersección entre la homosexualidad y el islam, incluyendo testimonios de musulmanes queer de diferentes partes del mundo.

Documental audaz filmado en doce países y ocho idiomas. El cineasta (musulmán) gay P. Sharma se ha adentrado en los lugares donde el silencio resuena con fuerza, filmando con gran riesgo, sobre todo en países donde no era posible obtener el permiso del gobierno para realizar esta película.

Este fue el debut de Sharma y el primer largometraje documental del mundo que explora las complejas intersecciones globales entre el islam y la homosexualidad. El director se adentra en múltiples mundos del islam, iluminando historias diversas.

Recorre un amplio arco geográfico, presentando vidas de India, Pakistán, Irán, Turquía, Egipto, Sudáfrica, Canadá y Francia. Filmando siempre en secreto y como musulmán, Sharma realiza la película desde dentro de la fe, retratando el islam con el mismo respeto que los personajes.

Salen a la luz vidas de homosexuales que luchan para reconciliar su sexualidad con su fe. La obra ilustra las vidas de gente valiente y determinada, que negocian una relación con el Islam.

Documental que recoge declaraciones de varios gais y lesbianas que se reconocen profundamente creyentes, lo cual que entramos en el drama personal de cada uno de ellos, que nos plantea sus dificultades para realizarse como personas.

Al ser verdaderos creyentes y no estar dispuestos a renunciar a su fe se produce un drama religioso que les hace buscar una respuesta en el Corán y en las interpretaciones que se hacen. Lo más difícil en esta búsqueda religiosa es superar la ortodoxia.

Así mismo sufren un drama familiar, especialmente en relación con sus madres a las que demuestran un profundo cariño, en todos los casos, correspondido, pero debido a las opciones de emigración forzosa se ven privados del contacto directo de ese amor.

Pero en todos ellos está el miedo que sufren en sus países de origen, por una sociedad que les amenaza si no cambian de vida con la muerte en nombre de un Dios que dicen que es Amor.

Las imágenes no son buenas debido a la gran cantidad de desenfoques y borrones que se aplican a la cinta para que muchas personas no puedan ser reconocidas por miedo a la represión que pueden sufrir, no solo los homosexuales, también sus familiares.

AMAL (2025). Dirigida por Jawad Rhalib, esta película se desarrolla en Bruselas y narra la historia de una profesora que ayuda a una de sus estudiantes musulmanas, quien es acosada y amenazada por sospechas sobre su homosexualidad.

Amal, imparte clases y dice a sus alumnos: “Alá no tiene ni voz ni voto en mi clase”. En las primeras conversaciones se habla de la pena de muerte, religión, yihadismo, racismo, intolerancia y discriminación, pero el filme focaliza rápidamente el conflicto entre el credo islámico y la homosexualidad.

Monia, una de las alumnas, acaba por declarar que es lesbiana y se desata una fiebre homófoba que afecta a los alumnos de diversas creencias, de forma más determinante, ante las convicciones frágiles, cuando no miserables, de algunos de los profesores.

Filme valiente y formalmente correcto, realizado en una Bélgica soliviantada por los fanatismos, del signo que sean. El director belga-marroquí Jawad Rhalib filma las encendidas discusiones en clase y muestra que los profesores tampoco se entienden en sus reuniones, así como la actitud cerrada y beligerante de algunos padres musulmanes.

Tanto la maestra como la alumna son amenazadas, la segunda por su orientación sexual, la primera por difundir en clase los textos de Abu Nawas, un poeta persa bisexual del siglo VIII. En un recorrido agrio, nunca se impone la tolerancia.

Con tema candente en el momento crítico, la película dice más de lo que pueden decir la mayoría de las películas europeas contemporáneas.

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